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もしかして 「プリプリ」 って聞いても若い人は何のことやらわからないのかもしれない。「PRINCESS PRINCESS （プリンセス・プリンセス）」 は、1983年から1996年にかけて活躍したガールズ・ロック・バンド。当時は 女の子だけでバンドをやっている のがまだめずらしく、そのルックスや曲の良さ、共感を覚えやすい歌詞などが受け、ヒット曲を連発。まさにガールズ・バンドの先駆けとも言える人気バンドだ。その頃青春時代を過ごしていた少年・少女でプリプリを一度も聴いたことがない人なんてほとんどいないと思う。代表曲としては、この 「M」 や 「Diamonds」 や 「ジュリアン」 や 「OH YEAH!」 や 「19 GROWING UP」 なんかが有名だけど、ベストアルバムもいくつか出ているので、聴いたことがない人はぜひ一度聴いて欲しい。チャットモンチーもいいけど、やっぱプリプリ最高。
ちなみに、プリプリは日本武道館でワンマン・ライブを行った初めてのガールズ・バンド、だそうです。in 1989年。
今回は Hinaさん を迎えてのゲスト共演第2弾。特にバンドをやっていたわけでもなく、レコーディングも初めてだったのに、とてもいい歌を歌ってもらいました。コーラスをしようかどうか迷ったけど、結局サビのアタマが寂しいので入れることにした。ポップスのピアノのイントロで、もしかしたら日本一有名 （！？） かもしれない この 「M」 の イントロ ～ Ａメロ は、この動画の演奏がほぼ完コピ （完璧コピー） できていると思うので、ぜひ挑戦してみて下さい。
■出会い
[ その１ ] 「各自好きな曲を歌う」 というテストが中学の音楽の授業でありました。普段まじめな学級委員の男の子が、この曲を歌い、みんながびっくりしたことを覚えています。
[ その２ ] 大学１回生のころ、Princess Princess の解散コンサートになぜか連れて行かれ、せっかくコンサートに行くのだからと、過去のCDもたくさん聴きました。 （でもこの時好きだったのは 「パパ」 とかもっとアップテンポの曲やったかも･･･）
[ その３ ] 昨年出た山崎まさよしさんの 『Cover All Ho！』 の１曲目がこの曲。なんて切ない曲なんやろうと思いました。いろいろと思い出すこと (笑) や気付けたことがあり、この曲が私の中で結構大切な曲になりました。
■歌う
[ 初め ] マナベカンVer.の 「M」 を聴いてみたいなぁ、ぐらいの感覚でリクエストをだしたのですが、つい、勢いで、自分が歌うことを引き受けてしまいました。ピアノ難民ではあるのですが、歌をちゃんとやったことはないし、バンドもやったことがない。日がたつにつれて不安が増すばかり。とりあえず原曲を聴いて、歌ってみて･･･と自主練の日々。
[ 当日 ] ヘッドフォンから聞こえてくる声が 「自分の声」 だということを理解するのに時間がかかりました。でも慣れてくると、歌いやすい！ ということも実感。ただ、ちゃんと原曲を聴いていたはずなのに、音程を思い込んで歌っている所が何箇所か･･･。それも指摘されて初めて気付き、修正しようと歌っているうちに、一体何をどう歌っているのかがわからなくなってしまったり。えらく手のかかるゲストやったと思います。すみません。
■歌ってみて
想像していた以上に楽しかったし、気持ちよかった！ マナベカン氏のピアノとおだてが上手かったというのもありますが、1つの曲を 「ちゃんと」 歌ってみて、やってよかったと思いました。歌うのってやっぱり楽しいですね。ステキな経験と時間をありがとうございました！
Hinaさん、ありがとう。
今回も 「色彩のブルース / EGO-WRAPPIN'」 に続いて、楽譜配信サイト 「＠ELISE（アット・エリーゼ）」 の楽譜を使った。ただし、今回はイントロ～Aメロ1番までは楽譜が不完全なので耳コピして足りない音を足して、サビ1番以降は全部コード弾き。ハ長調なのでシャープ、フラットがほとんどないから、コードを覚え始めた人にとってのコード弾き入門編として最適だと思う。解説動画 ではハ長調のサンプル曲に男性曲を使ったから、女性で 「コードって難しそうだし、何から手をつけたらいいかわからないし・・・」 って思っている方がいれば、ぜひこの 「M」 の楽譜を使って下さい。
次の解説動画は 「伴奏のつけ方 右手編」 になる予定なんですが、たぶん 「M」 を引き合いに出すことになると思います。乞うご期待あれ。
んん・・・あるようなないような、だけど、とりあえず イントロ ～ Aメロ1番 さえ気分よく弾ければ、あとは勢いでいけます。 イントロ ～ Aメロ1番は音数が少なくてテンポも音程も取りにくいので、誰かに弾いてもらって歌うにしろ、弾き語りをするにしろ、よく練習しないとうまくいかない。逆に、一旦サビに入ってしまえば、あとはコード・ネームのアルファベットを見ながら 「お、C ね、ドミソね、んで次は・・・G ね、ソシレね・・・白鍵白鍵・・・」 って感じで、動く限り指を動かして、ド派手にジャンジャン鍵盤を弾き鳴らしたらいい と思います。バラードでありながらロックに弾けるのがプリプリの良さ。間違っても知らん振りして次へ進んでヨシ。何度もやっているうちにだんだんコードが正確に押さえられるようになります。
「コードの知識がまったくないからそんなこと言われても！」 という方は解説動画を上から順番にどうぞ。
「M」 の発売は 1989年4月21日。いま （2008年） から約20年も前の曲だとはとても思えません。
僕も／私も出演したい！ という方はこちらから。 [ 送信フォーム ]
初めての方はまずこちらを。 [ 初めての方へ ]
とにかく動画を見せろ！という方はこちらを。 [ 最新動画 「 はじまりはいつも雨 / ASKA 」 ]
動画を見て喜んでいただいた方はさらなる理解を。 [ 問答集 ]
僕も／私も弾きながら歌いたい！と思った方はこちらを。 [ 弾き語るには ]
30になって、これから死ぬまでの間、音楽とどうやって付き合っていけばいいか、真剣に考えるようになった。
しばらく考えていたら、ずっと距離を置いていたピアノと真っ向から付き合っていく気になった。
そして、何でピアノを弾かなくなったのか、という疑問にぶち当たった。
その答えを探していると、同じ境遇の人が世界中に山ほどいるんじゃないかという気がしてきた。
「名曲はどうしていつまでも残るのでしょうか？」 という質問に、森山良子がこう答えていた。
「歌い継いでいくから」
最近気に入っている言葉は、 「ゆっくり歩く者は遠くへ行く」 （フランスのことわざ、だそうです）。
ぼちぼちやります。よろしくどうぞ。
僕が偉そうに言えることじゃあないですが・・・
日本のシンガーは本当に歌が下手だなあ、とつくづく思うんだけど、それでもこの人は歌がうまいなと思うアーティストが数人 （十数人かな？） いて、やっぱり平井堅は歌がうまい。僕はあまり人の音楽を熱心に聴いたり、新しいアーティストを熱心に探すタイプではないけど、今のところ 男性ボーカルで僕が一番安心して聴けるのが 平井堅 だ。本当に気持ちよさそうに歌うなぁといつも感心するんだけど、僕がもともと好きだった平井堅をさらに好きになったのは、WOWOWでやっていた ライブ 「Ken's Bar」 （東京ドームだったかな？） のインタビューを見てからで、そこで平井堅がこんなことを言っていた。
・・・ 僕は驚異的にピッチがいいほうではないし ・・・
たった一言なんだけど、この一言に、平井堅の音楽に対する姿勢とか知識とか正直さが込められていて、僕はテレビの前で 「ウムム・・・」 と唸った。これがどういう意味なのかをうまく伝えることが難しいんだけど、「ピッチがいい」 っていうのは、「音程 （＝ピッチ） を外さない」 っていう意味で、世の中には 「驚異的にピッチのいいボーカリスト」 がいることを認めた上で、自分は歌がうまいと世間からは思われているけど、実はそういう人たちの足元にも及ばないんだ・・・というニュアンスが込められている ・・・と、そのとき僕は受け止めた。
歌の上手い／下手っていうのはある程度のレベルを超えるとなかなか一般の人 （僕を含め） には判別がつきにくいものだけど、音楽を聴いていればある程度その良し悪しがわかるようになるものだ。冒頭に書いたとおり、日本のアーティストっていうのは本当に歌が下手で、これはたぶん日本語っていう言語が持つ発音方法の特徴や、民族的な血統で、そもそも、日本人は、歌が下手なんだと僕は思っている。
例えが適当かどうかはわかりませんが、身長が低いとか足が速いとか、そういうものと同じ次元の話です。
そして、その結果、悲しいかな、日本人の耳は肥えていないという現実を受け入れざるを得ないだろう・・・ というのが、僕の、日本の音楽や音楽業界に対する基本姿勢となってしまった。もちろん、これは別に邦楽がダメだとか、日本人のアーティストなんて認めないとか、そんな短絡的な話ではなくて、世界レベルで見たときに、まずは認めないといけない事実だろうと思っている。この話、原因と結果、どちらが先か （＝歌が下手だから耳が肥えないのか、その逆か） っていうことはわからないし、そもそもどちらも僕の間違いであるのかもしれないんだけど、両者が相関関係にあることは誰にも否定できないと思う。
これにも異論はあるでしょうけれど。
で、僕が何を言いたいかというと、 「もっと歌の上手いアーティストを、歌がうまい順番にデビューさせてあげて欲しい」 ということ。いくら平均点で劣るとはいえ、日本にもたくさんのいいアーティストがいて、活躍の場を求めて日々努力をしているのに、テレビで歌っている人の中に、およそプロのレベルに達していない 「あーちすとさん」 がたくさんいる。「このご時勢、よくても売れなきゃダメなんだぞ坊主！」って気持ちもわからなくはないけど、いまのままでは日本人はどんどん歌が下手になっていく。ここで比べても仕方がないけど、SMAP と バックストリート･ボーイズ （インシンクでもいいいけど） を比べてみると ・・・
ん？ この比較がすでに 30過ぎたおっさんの証なのか！？
・・・ その歌唱力はまさに雲泥の差。 SMAP で不足なら ゴスペラーズ でもいいけど、どっちにしてもその技量にどうしようもないくらいの差があることだけは否定しがたい。ぱっと見て、いかにもアイドルなニオイのするバックストリート･ボーイズがあれだけ歌がうまいと、アメリカ人はどれだけ歌が上手いんだろう・・・って嫌になるけど、これが日本人とアメリカンの差なのだ。
他の国の音楽事情をよく知らないのでとりあえず米国を引き合いに出しましたが、たぶん他の国と比べても同じようなことが言えると思います。 ※9.11 以降、僕はアメリカという国が嫌いだと公言しています、念のため。
さらに念のために断っておきますが、僕は自分の歌はめちゃくちゃ下手だ と思っていて、本当はこの動画を見てても、つくづくその下手っぷりが嫌になるんだけど、こういう動画が見たいと思っている人がいるだろうなーと思って、泣く泣くこのように動画を公開しています。もし僕がもっともっと歌がうまくて、あと15歳くらい若かったら、まじめにプロを目指してたかもなー、と思わなくはないですが、こればかりは・・・。
さてさてそんなわけで、僕はニッポン人としてがんばっている謙虚な平井堅を心から応援しているんだけど、そんな平井堅の曲の中で、ぜひピアノで弾き語ってみたいと前々から思っていたのがこの曲 POPSTAR。ピアノの弾き語りと言えばスローテンポ／バラードってのが相場だけど、こういうアップテンポな曲のピアノアレンジを考えるのは楽しいし、弾いていてとても気分がいい。
どういう伴奏をしているかをゆっくり動画で解説したいと思っているので、近いうちに解説動画を作る予定です。
諸々リクエストを受け付けております。 [ 送信フォーム ]
ちなみに、このピアノバージョンのピアノアレンジは、その WOWOW の 「Ken's Bar」 で弾いていたピアノを参考にしています。POPSTAR のアコースティックバージョンのアレンジが見られるＤＶＤがアマゾンで見あたらなかったのが残念だけど、 WOWOWでちょくちょく再放送しているので、見かけたらぜひチェックしてみて下さい。
そういえば、「POPSTAR」 はミュージック・クリップもとても面白くて、よくできてました。Beck の 「SEXX LAWS」 な感じでしたね。
レコーディングをしているときには気づかなかったんだけど、歌い方にちょっと元気がない。 何回もテイクを重ねているうちに疲れていたのか、真昼間じゃなかったからちょっと近所のことを気にしたか、声を張りにくいメロディだったのか・・・ 原因はいくつか考えられるけど、やっぱりボーカルは声量が出てないとダメです。反省。
よくある質問をまとめてみました。
【 質問一覧 】 - 質問と回答はすべてこのページ内にあります -
動画はダウンロードできないのですか？ / 楽譜が欲しいのですが。 / これって、著作権が問題になりませんか？ / 著作料って、いくらなんですか？ / 動画が見れないのですが・・・ / 「難民度」 って何ですか？ / 楽譜は見ているのですか？ / 左手の親指が気になります / ライブはやらないのですか？ / オリジナル曲は書かないのですか？ / どのくらいピアノを習っていたのですか？ / コードに興味があるのですが、何から手をつけていいかわかりません。 / 長いブランクがあるのですが、今からでも弾けますか？ / どうやったらうまく弾き語れますか？ / ピアノは弾けるのですが、歌が下手なので弾き語れません / どうやって撮影したんですか？
当サイトは、著作権のあるコンテンツを 「ストリーム配信」 によって利用する申請をしています。したがって、コンテンツを特定のパソコンの中にデータとして固定することになる 「ダウンロード」 による配信は行っておりません。
ただし、ご要望が多ければ、DVD販売 をすることも検討しますので、「テレビで見たいからDVDが欲しい！」 という声をたくさんお寄せ下さい。DVD にすれば、当然ですが、映像も音声も WEB で見ているものよりずっと高画質・高音質になります。
さらにピアノの腕が上達すること間違いなし？
メッセージの送信はこちらから [ 送信フォーム ]
サイトのリリース時には著作料の関係で見送る予定でしたが、方針変更しました。（2007/11/9）
JASRAC への申請が完了し、楽譜の準備ができ次第、順次アップします。
おたまじゃくし楽譜 ＋ コード譜 の両方を提供する予定です。
メッセージの送信はこちらから [ 送信フォーム ]
JASRAC （日本音楽著作権協会） に申請し、「映像に音声を固定したコンテンツの、ストリーミングによるネットワーク配信」 をする許可を得るために著作料を支払っています。ただし、サイトリリース （2007年11月1日） 時点では広告収入がゼロなので、実質自腹 です（悲）。
「ナニ！ それはかわいそうだ！」 という方は、演奏動画の中のCDやDVDのリンクをはじめ、サイト内にある他サイト （主に アマゾン／楽天） へのリンク先をクリックしていただき、CD や DVD、その他の商品を買っていただいたら、商品代金の数パーセントの紹介料がアフィリエイト報酬として僕の懐に入ります。無償提供の動画に対する援助というお気持ちでご協力いただければ幸いです。もちろんカンパも喜んでお受けいたします。
リンクしている商品そのものを購入しなくても、クリックしたその足で、何でもいいのでサイト内の商品を購入すればいい・・・という仕組みのようです。
今回、僕もはじめて JASRAC にコンタクトを取って色々と調べましたが、正直に言って、思ったよりも安い という印象を持っています。具体的には、このサイト上で映像＋音声をストリーム配信するために支払う著作料は 月額約5000円。これが最低使用料で、もし広告収入が増えれば金額が上がりますが、実際には月に100万円くらいの広告収入がないと使用料が上がることはないので、実質5000円ということになります。しかも、これが事業性のない個人によるまったくの無償提供であれば、最低使用料が1000円程度にまで下がります。僕の予定ではこの差額4000円を埋めるくらいのアフィリエイト収入はあるだろうと踏んで、商用配信 の申請をしています。
全然 「商用」 な感じのしないサイトですが （笑）、まあ自分の仕事のアピールもできるし、グーグル の AdSense もやってみたいし・・・という感じです。ちょっと 「携帯の通話料が高かった」 くらいで納得できる金額かな、と思っているのですが。
寄付、広告掲載依頼、アフィリエイト購入、グーグル AdSense クリック、大歓迎です。
動画の再生に問題がある場合はこちらをご覧下さい。 [ トラブル？ ]
僕が勝手に作った指標です。こちらをご覧下さい。 [ 難民度について ]
本番の撮影・レコーディングをする頃には、歌詞も楽譜もたいてい覚えている （そのくらいは練習してから望む） のですが、本番でよく間違えるのは歌詞のほうなので、歌詞を見ていることが多いです。曲によっては、歌詞を印刷したものに、間違えやすいコードを書いていることもあります。それから、前を向いて歌っているのは、歌詞を見ているという理由以上に、マイクとの位置関係を一定に保っておきたい という理由があります。
もちろん、録音に影響するからです。
また、それほど難しい演奏をしていないことと、クラシックに比べるとある程度決まったパターンを繰り返していることが多くて、鍵盤を見なくてもだいたい演奏できるので、逆に鍵盤を見ると余計なことを考えて弾き間違える・・・というのがよくあります。一番いい演奏ができるのは目をつぶっているとき で、ピアノはほとんど無意識に弾いて、歌詞と歌に集中するために目をつぶる・・・ と、うまくいくことが多いです。僕の勝手なイメージでは、ピアノに 3、歌に 7 くらいの意識分配で演奏ができるのが理想です。
これはたぶん僕が歌が苦手だからで、歌のほうが得意な人は、ピアノのほうに意識がいく・・・ようなものなんだと思います。半々が理想なんでしょうかね？
僕も撮影をするようになってはじめて気がついたのですが、左手の親指がよく鍵盤の手前のプレートの部分（？）に乗っています。これは、無意識のうちについてしまったクセなんですが、左手の動きを安定させるため・・・のようです。特に、左手の小指だけで弾くフレーズのときには、親指で手全体を支えて、不安定になりがちな小指の動きを助けている・・・のだと思います。
ただのクセにしては理由がないわけではないようなので、もっともらしい理由を書いていますが、ちゃんと説明ができないんです、本当に。自分がやっていることなのに。
「楽譜は見ているのですか？」 のところに書いたように、演奏中はほとんど鍵盤を見ていないので、親指がどこかに触れていることで、鍵盤の位置を感覚で把握している・・・ような気もしますし。
いずれにしても、ピアノの先生にはたぶん 「やめなさい！」 と怒られると思うので真似はしないで下さい。
やろうとは思っていますが、カバー （コピー） ばっかりなので、久しぶりにオリジナルを書いて人前で披露する勇気が出たらやろうかな・・・とは思っています。ヘルプでピアノを弾くのもやぶさかではないので、誘ってみてください。
神戸・大阪なら行けます。
昔やっていたので書けると思いますが、もっぱらコピーするのが好きなので、なかなかその気になりません・・・が、たぶんそのうちやります。
著作料の心配がないので自分の曲をアップするほうがずっと気楽ですね。ダウンロードでも楽譜でも何でもどうぞ、みたいな。
幼稚園の後半から、なんだかんだで高校2年生まで先生のところに通っていました。ただ、中学くらいから、クラシックのピアノにはまったく興味を示さなくなって、もっぱら ドラクエ とか アニメの主題歌 とか、音楽の授業のときにちょろっと弾いてみんなに 「おー！」 って言われたいがためにピアノを続けていた・・・という部分も多々あります。
「幻想即興曲」 を辛うじて弾けるところまでは上達しましたが、あとは下降の一途です。
まずはこちらからご覧いただくとといいと思います。 [ 解説動画 「基本は白鍵」 ]
その他、各ページの 「動画リスト」 の 「その他」 の中にある動画に、コードについて解説したものがいくつかあります。また、 「弾き語るには」 の ピアノ編 をご覧いただくと概要がおわかりになると思います。
僕の勝手なイメージでは、ピアノを5年以上習った人は、少し弾けばすぐに昔の感覚を思い出して弾けるようになります。ピアノは習ったけどすぐにやめてしまったという人も、子供の頃には弾けなかった曲が、いま練習してみると意外とすっと弾けたりするものなので、ぜひトライしてみてください。
大人になると、何かとコツを覚える知恵をつけているので、指を速く動かす曲は難しくても、簡単な曲なら、あれこれ工夫しながらのらりくらりと弾けるものです。 運動神経ではなくて、アタマで弾く感じですね。
「弾き語るには？ ～ピアノ編～」 をご覧下さい。
「弾き語るには？ ～歌編～」 をご覧下さい。
「撮影・録音技術解説の映像編」 をご覧下さい。
歌と、ピアノ / 十八番 （オハコ） はうまく歌えるようになる / キーが合っているか / ニッポンのアイドル歌手は、みんな歌が下手 / 絶対に必要な、コードの知識 / クラシック・ピアノ犯人説 / ピアノ難民ができるまで / バッハは偉大な即興演奏家 / ピアノの入り口がクラシックしかないのが問題 / では、その 「コード」 とは何か / だから、コードを勉強しよう
当たり前だけど、ピアノを弾き語るには、歌とピアノの練習が必要だ。このサイトでは主にピアノの演奏方法や知識について多く取り上げるから、残念ながら歌についてはあまり触れない。
ただし、ピアノの話よりも何よりも先に、僕が歌について自信を持って言えることは、「歌は下手でも、練習すれば、その曲はうまく歌えるようになる」 ということだ。つまり、「何を歌ってもうまい」 と言われるには生まれ持った才能が必要だけど、「特定の曲を上手に歌えるようになる」 のは誰にでも可能だということだ。
人前で歌を歌う機会といえば、何といってもカラオケ。そして、ほとんどの人が、自分がうまく歌える曲を持っている。なぜ十八番ができるかというと、理由はひとつ。何度も歌うから だ。うまく歌えるから何度も歌う、あるいは、何度も歌っているうちにうまくなる。順序はどっちでもいい。とにかく、数をこなすとうまく歌えるようになるということは、ピアノを弾き語るにあたって見逃せない事実だ。
それからもうひとつ、その曲がうまく歌えるようになるために絶対に必要なこと。それは 「曲のキーが、自分の声の高さに合っているかどうか」 だ。周知のとおり、カラオケではどの曲もキー （＝曲の調） を自由に変えられる。そして、歌う本人が 「原曲からどのくらいキーを下げたら／上げたら一番うまく歌えるか」 を事前にわかっていることが多い。
たとえば、男性の場合なら 「ミスチルは高いからマイナス2」 といった風に。
これも、ピアノを弾き語る上でとても重要なことだ。ここで公開している動画の中にも、原曲のキーではないキーで歌っている曲がいくつもある。無理をして原曲のキーで歌う必要なんて全然ない。
アイドル歌手って何？ という話は横に置いておいてもらって、とにかくテレビで歌を歌っている人たちのほとんどは、本当は大して歌がうまくない。さっき書いたように、彼／彼女らは、自分の曲があるから、それをひたすら歌っているうちに何とかテレビで見れるくらいに歌えるようになるのだ。だから、安心してください。練習すれば、誰でも人前で歌えるようになります。
（歌のことはここまでにして）
いきなり敷居を高くするように聞こえるかもしれないけど、ひとつ暴論をふるってみたい。
ズバリ何が悪いって、クラシック・ピアノが悪い。
誤解のないように先に補足しておくと、僕は16歳頃まで、いわゆる 「ピアノの先生」 のところに通っていた。ちゃんと覚えていないけど、少なくとも3人のピアノの先生に習ったことがある。僕は先生たちをみんな好きだったし、いい先生だったし、おかげでピアノをそれなりに弾くことができるようになった。それに、教え方のどこが悪かった、なんて偉そうなことは口が裂けても言えない。でも、もっと早くにコードを教えてくれたらよかったのに、と思ったことは何度もある。
それは、別に先生たちが悪いわけではなくて、システム的、あるいは慣習的なもののせいだと思う。あるいはクラシック的思考のせい。とにかく、 「楽譜に書いてある通りに弾くのがクラシック・ピアノ ＝ 楽器演奏のすべて ＝ 音楽のすべて」 というマインドコントロールが、音楽という自由な世界への門を狭くしてしまっているのは否定できない事実だと思う。
こういうことだと僕は思う。
だから、僕はクラシック・ピアノを習った人には、コードの勉強をして、このクラシックピアノの 「音楽 ＝ 楽譜」 という呪縛から解き放たれて欲しい。その手ほどきを、このサイトで少しでもできたらいいなと思う。
キース・ジャレットが言った。
「バッハは偉大なインプロヴァイザー（即興演奏家）であり、ぼくたちに残されているのは、彼の書いた楽譜だけだ」
僕はジャズについてはほとんど無知だし、クラシックについても恥ずかしいくらい何も知らない。でもひとつ確信しているのは、「楽譜というのはひとつの音楽のカタチでしかない」 ということだ。キース・ジャレットが言わんとしたのもそういうことなんじゃないかと思っている。楽譜なんてものは、音楽を後世に伝えていくためにやむなく発明された、ただの言語なんだ、と。
（話を少し戻して）
僕に誰もコードを教えてくれなかったことや、みんなが大人になってピアノを弾かなくなることを、全部クラシックピアノ教室や先生たちのせいにするつもりはない。上に書いたように、これはシステム、慣習、歴史、伝統、そういうものが、ピアノという楽器への入り口を 「クラシック」 に絞ってきたのが悪いのだ。ピアノへのアプローチは、本当はもっとたくさんある。
例えばエレクトーン。僕はエレクトーンを習ったことがないので、エレクトーンについてよく知らない。でも、エレクトーンを習うとコードの知識が身につき、それによって「音楽っていうのは自由なものなんだ」という意識が芽生えることは確かだ。だから今、エレクトーンという楽器が衰退の一途をたどっているのが、僕は残念でならない。
C、Dm （ディー・マイナー）、G7 （ジー・セブンス） ・・・ ギターをやれば嫌でも覚えるコード・ネーム ＝ 和音。その和音が連なって曲ができるわけだけど、その和音の構成＋和音の連なりの全体的な概念のことを （僕は漠然と） コードと呼んでいる。
「コード＝和声の表記法」 という説明ではピンとこないので、こういう説明で取りあえず収めておいて下さい。
では、そのコードを勉強するとどういうメリットがあるかをいくつか列挙してみると、こうなる。
楽譜通りには弾けない難しい曲を簡単に弾くことができる ＝ [ はしょることを覚える ]
コードだけのギター譜でもピアノを弾けるようになる＝[ コードで何でも弾けるようになる ]
曲を聴いて楽譜を自分で作るのが簡単になる ＝ [ コピー（採譜）のスキルアップ ]
歌のキーが合わないときに キーを変えた楽譜を作ることができる ＝ [ 移調なんてお手の物 ]
僕はここでひとりでも多くの人に、新しいピアノ演奏へのアプローチを紹介したい。そして、ひとりでも多くの人に、新しい音楽へのアプローチにトライしてもらいたい。そのために、できるだけたくさんの動画を用意していくつもりです。
コードについてまったく知識がない人は、まずはこちらからどうぞ。 [ 基本は白鍵 ]
コードについて少し知識のある人は、こちらからどうぞ。 [ 伴奏の作り方1 ～左手～ ]
このほか、各ページ一番上の動画リスト の 【その他】 には、全般的なコードの知識や演奏方法について解説した動画へのリンクがありますので、そちらもぜひご覧下さい。
【 募集内容 】 - 各募集内容の詳細はすべてこのページ内にあります -
「はじめての方へ」 のところに少し書きましたが、「ピアノ難民を救う」 という趣旨に賛同し、出演協力をしていただける方を募集しています。具体的には、僕がピアノを弾くのが前提で、それ以外はどんな形でも構わないと思っています。楽器や歌で参加するのはもちろん、音楽以外の形 （例えばパフォーマンスなど） でもいいと思います。僕がコーラスをするのももちろん、ピアノの連弾もアリかな？ と思っています。
ただし、撮影できる環境であること ＋ ピアノ （電子楽器含む） がある場所 であることが絶対条件です。サイトリリース時（2007年11月） には自宅での撮影＋レコーディングしか経験していませんが、何とか出先での撮影ができる方法を考えておきますので、まずはご相談下さい。
上カメが設置できるかどうかが一番の問題ですね。これがないと 「ピアノ難民を救え！」 の価値が半減すると思っているので（笑）
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「よくやった！」 「ガンバレ！」 というお気持ちや、楽譜に対する御礼 は、下記へよろしくお願いします！
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金額は自由に設定することができます。
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www.kan-piano.com は、ピアノの演奏／弾き語り動画 を 無料で配信するWEBサイトです。
曲は主にカバー曲で、ピアノのアレンジ、演奏、歌はすべて マナベカン によるものです。
ゲスト参加も予定しています。
2006年の終わりに、映画 「コープス・ブライド」 （ティムバートン監督） の中で流れる、とあるピアノ曲が弾きたい、と友人が言ったのが最初のきっかけだった。僕はそれをコピー（＝採譜）し、いい曲だからついでだと思って、そのとき日本でも流行りかけていた YouTube に演奏動画をアップロードしたところ、ずいぶん好意的な反応を多数いただいた。そして、「お、ピアノの演奏動画はウケるな」 と確信。
ふたつ目は、30歳になった こと。小さなときからピアノを習い、学生の間はずっとバンドをやっていたので、鍵盤楽器のキャリアは軽く15年はある。なのに、30になった瞬間、自分の生活の中にピアノがまったくないことに気がついた。言ってみれば人生の半分は、大袈裟な表現かもしれないけど、日々身のまわりにピアノか、少なくとも楽器があった。仕事や環境のせいもあったけれど、しばらくピアノや楽器、それどころか、音楽自体からもずいぶん距離を置いていたなぁ、と思った。
そんなわけで、およそ7年ぶりに、真剣にピアノに取り組んでみようと思うに至る。
どれもいい動画だ、と思う。
まず、このアングルからピアノの鍵盤を撮影した映像にはあまりお目にかかったことがない。ピアノの演奏といえばだいたい横から見るものだ。でも、弾いている本人は、角度はちょっと違うけど、だいたいこうやって鍵盤を上から見下ろしている。いつも弾いているとおり、見ているとおりに撮影してみたら、意外なほど新鮮な映像だった。
（ついでだからもうひとつ） 自分で言うのも何だけど、ピアノの鍵盤の上を動く手と指の動きは美しい、と改めて思った。
僕の手がシワひとつなくてキレイ、というような意味ではなく。
スポーツをする姿、歌う姿、汗水たらして働く姿、そういうものは、みんな美しいものなんじゃないかって思うけど、世界中で一番美しいプロポーションを持っている （と僕は思っている） ピアノという楽器を奏でる手の動きは、やっぱり美しかった。
「こんな動画、どうやって作るんだろう？」と疑問に思った方はぜひこちらを。 [ 撮影・録音技術解説 ]
日本の識字率が群を抜いて世界一なのと同じように、ピアノを習っている人口（率） でいうと、日本はこれまたダントツ世界一なんじゃないかと思う。
※注： 僕の勝手な想像です。
そんなニッポンにおいて、ピアノは習ったけど弾いていない人がどれほど多いことか。これまた想像だけど、おそらく、昔ピアノを習っていた人のほとんどが、今はピアノを弾いていない。
そういう人たちを、僕は 「ピアノ難民」 と名づけることにした。ただし、「昔ピアノを習っていて今は弾いていない」 では定義があいまいなので、以下の3つをすべて満たしている人を 「ピアノ難民」 に認定することにした。
- ピアノ難民の定義 -
1. ピアノを1年以上習ったことがある
2. 「年に一度は必ずピアノを弾いている」と、言い切れない
3. [難民度] の判定が88ポイント以上
難民度は僕が勝手に作った 「どのくらいピアノに執着があるか」 を示す指標。ピアノ難民の定義の 1 と 2 に該当していることで、すでに 「ピアノを習ったのに、今は弾いていない」 ことが確定している。その上で、それなのに・・・「実はピアノを弾きたいと思う心が少し残っている」 あるいは 「実はピアノが好き」 あるいは 「何かしらピアノのことが気になっている」 あるいは 「ピアノの基礎知識がまだ残っている」 ・・・ような人たち、つまり、これからまたピアノを弾き始める可能性の高い人を、ピアノ難民に認定しよう というわけだ。
したがって、回答の内容が「ピアノにまったく興味がないことを示している」 あるいは 「ピアノのことを完全に忘れている」など、再びピアノを弾き始める見込みが薄い人は、ピアノ難民には認定されない。
ピアノを弾く心があるのにピアノに触れていない。だから、難民。
20前後の質問の回答によって難民度が上下し、88ポイントを超えた瞬間に難民に認定されます。 ※すべての質問が終わるのを待ちません。
僕もつい半年前まではピアノ難民だった。ピアノは習った。でも今は弾いていない。でも 「ピアノが弾ける」 という自負はある。でも弾けと言われると困ってしまう。そんな半年前の自分と同じような境遇の人たちに、またピアノを弾きたくなって欲しい。ピアノを弾くことによって、ほんの少し生活を豊かにして欲しい。ピアノじゃなくてもいい。鼻歌を歌うだけでもいい。何でもいいから、音楽に触れる時間を少しでもいいから増やして欲しい。そのきっかけになればいい。そうやって、ピアノ難民を一人でも多く救えればいい。それがこのサイトの本当の目的。
そして、重要なことは、このサイトは自己満足のためにやっているわけではないということ。だから、ピアノ難民を救うために、出演協力をしていただける方を常時募集しています。 できるだけたくさんの人を巻き込んで、できるだけたくさんの動画をリリースしていきたいと思っていますので、「我こそは！」 と思う方は、どうぞご連絡下さい。
20世紀には絶対にできなかった、動画のネット配信。人の夢を奪うようなニュースばかりでうんざりする日々を、ネットの動画で少し明るくできたら、と思う。そのさきがけになれたらいいなと思う。
だから、全部無料です・・・ が、
2006年8月1日に始めた マナベカン の プロジェクト第一弾 「１万人に小説を読んでもらうプロジェクト」 。1年経ってもダウンロード数が400強。このペースではあと24年かかります（！）。
こちらもどうぞよろしくお願いします！
以下、少々堅い話。
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「愛は勝つ」 が流行ったのが僕が中学1年生のとき。当時、KAN はよく歌番組に出ていたからもちろん知っていたんだけど、自分と名前が同じだってことに、特に何も感じていなかった。ある日、美術室でクラスメイトの浅田さんが 「愛は勝つ」 を楽しそうに歌っていたから、「よう歌詞覚えとるね （in 讃岐弁）」 と話かけたところ、「100回くらい聴いとるけん覚えるわそら」 という返事が返ってきた。その当時の僕にはひとつの曲を100回も聴くなんていう習慣はなかったから、1曲を100回聴くっていうのがどういうことなのかピンとこなかった。でも、僕はなぜかそのCDが欲しくなって、次の日だかその次の日だかに、 「愛は勝つ」 のシングルを買いに行った。確か、それが僕が生まれて初めて買ったCDだと記憶している。
で、その年は何かと KAN に縁があって、秋の文化祭のステージの上で、僕は生まれて初めて人前でピアノを歌いながら 「愛は勝つ」 を歌ったし （確か 「どんなときも」 も歌った気がする）、生まれて初めてライブを観に行ったのも 「先生、おら先生みたいな先生になる」 っていうわけのわからないタイトルの KAN のライブだった。
浅田さんに連れて行かれました。 ※名前掲載は本人許可済みです。（ありがとう）
そんな風に、名前が一緒だっていうことが原因なのか結果なのかよくわからないけど、とにかく僕は KAN に強く影響を受け、KAN のおかげでピアノを弾くことの 「おいしさ」 を知り、ピアノを弾けることを誇りに思うようになり、それから大学を卒業するまで何だかんだでピアノを弾き続けることになったわけで、KAN には本当に感謝している。そしてもちろん、KAN は僕が尊敬するアーティストのうちのひとりなのだ。
つい最近、母親が 「カンなんて変な名前つけて、いじめられんか実は心配やったけど、KANのおかげで救われた」 と発言したのを聞いて、僕はひっくり返りそうになりました。
強く影響を受けた曲っていうのが誰にでもあって、僕の想像では、その多くはバラードだ。そして僕が最も影響を受け、バラードを聴くときにあらゆる面で比較対象とするのがこの KAN の 「永遠」 だ。ピアノのアレンジ、歌詞、メロディ、どれをとっても超一級のピアノ・バラードで、墓場まで持って行きたい曲だ、と、僕はずっと前から位置づけている。人前でこの曲を歌ったことは数回しかなくて、いつ、誰の前で歌ったかということについて、僕はほぼ完璧に覚えている。別にとっておきだというわけではないんだけど、やっぱり思い入れのある曲なので、そうそう歌う機会があるわけではなかった。
一番よく覚えているのが、中学1年のときに、付き合っていた彼女の誕生日だか何かに、買ってもらったばかりのシンセサイザー （YAMAHA EOS B500） で 「永遠」 を弾き語ったのをテープに録ってプレゼントしたこと。確か、アルバム 「ゆっくり風呂につかりたい」 の 「恋人」 も一緒に入れた気がするんだけど、後にも先にも、誰かに僕の弾き語りテープをプレゼントしたのはこの1回限りだ。
・・・と、思います。 ※中1で彼女がいるなんて今どき珍しいことじゃなさそうだけど、1991年当時は結構 「先進的」 でした（笑）
まあそんなわけで、僕にとっての弾き語りの原点でもあり、頂点でもあるこの曲は、「ピアノ難民を救え！」 でぜひとも演奏したい曲の筆頭だった。 でもいざこうやって形にして残してみると、もっとうまく弾けるのになぁとか、もっとうまく歌えるのになぁという思いで歯がゆくなるんだけど、他の曲と比べると、ピアノは若干ヨレてはいるけど、長年歌いこなしている分、自然に歌えてる気はする。ミックスもいい線行ってると思うので、とりあえず永久保存版ってことで残しておこうと思う。
次にこの曲を歌うのは誰かの結婚式の二次会かな、と勝手に思っているんですけど、あいにくまだリクエストはありません。
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ピアノに白鍵と黒鍵があることにはちゃんと意味があって、クラシック用語でいう 「ハ長調」 というのは、白鍵だけをドから順番に弾いていくとできる音階のことで、ここではCメジャー（スケール）と呼びます。 「C」 というのは 「ド」 のことで、コードの話をするときには主にこのアルファベット表記を使います。
ド が C で、レ、ミ、ファ、ソ まで D、E、F、G と上がっていき、ラ で A に戻ります。最後に シ が B で、ド（C）に続く・・・という要領です。
ハ長調 （Cメジャー） において、音階に白鍵だけを使うということは、その曲では、当然、和音 （コード） も白鍵を使うことが多くなります。先にややこしい単語を登場させてしまいますが、Cメジャーにおいて、白鍵だけを使ってできるコードのことを 「ダイアトニック・コード」 と呼び、1つ以上の黒鍵を使うコード （＝ノン・ダイアトニック・コード） とは明確に区別します。
ただし、これはあくまでも、Cメジャーにおいて白鍵だけを使う、という意味で、正確には、音階の構成音のみを使ってできたコードのことをダイアトニックと呼ぶのですが、ここでは話をわかりやすくするために、Cメジャー＝白鍵＝ダイアトニック、ということで話を進めます。
具体的には、Cメジャーにおけるダイアトニック・コードは、こういうコードです。まず、Cメジャーの音階のスタート地点である ド （C） を基準として、白鍵をひとつ飛ばしで３つ重ねます。
ここで実演。 ※動画を参考にして下さい。
先に結論になりますが、こうやって白鍵だけでできたコードは、Cメジャーの曲の中心となるコード群で、当然、登場する回数も多くなります。というわけで、ここでは、それぞれのコード・ネームが何かとか、どういう風に押さえるといいかとか、そういう話は抜きにして、まず、具体的にCメジャーの曲 「 TURE LOVE / 藤井フミヤ」 を例に挙げて、曲中でどのくらい白鍵のみのコード （ダイアトニック・コード） が登場し、それ以外のコードがどういう場所でどのくらいの頻度で登場するかを見ていきます。
ここで実演。 ※動画を参考にして下さい。
この曲で黒鍵が登場する場所はたったの3箇所で、一つ目がAメロの終わりからサビに移るところ、残りがサビの後半の盛り上がる部分。このように、ダイアトニック以外のコード （この場合は黒鍵が混じるコード） が登場するのは、曲の肝になるような部分である・・・という一つの考察が得られます。
もちろん、わざわざそういう曲を選んでいるので、必ずしもそうだというわけではまったく（！）ありませんが、ひとつの考え方としてこの曲を取り上げました。
ではもうひとつの例として、演奏動画にもある 「瞳をとじて / 平井堅」 を取り上げます。原曲はCメジャーではないのですが、僕には高くて歌えないので半音3つ下げで歌っていて、そのキー（調）がCメジャーになっています。では、さっきと同じように、どこで黒鍵を弾いたかに注意して見ていきます。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
このように、この曲はCメジャーでありながら、ほとんどの黒鍵が登場し、また黒鍵を弾く回数も多いです。しかしながら、やはり曲の中の重要な展開部分や、 「ここは聴かせるぞ！」 っていう気持ちのこもった場所（？）で黒鍵を弾くことが多いのはわかっていただけると思います。言い方を変えると、Cメジャーの曲中の黒鍵を使うコードには、何かしら 「おっ？」 と思わせる力がある ということになります。
以上、ここでは、コードに取り組むにあたって、スケール （音階） を構成する音だけを使ってできたコード （ダイアトニック・コード） とそれ以外のコード （ノン・ダイアトニック・コード） があって、それぞれに登場する場所に、ある傾向があるような気がしませんか？・・・ということをお話しました。この話は、まずコードというものに興味を持っていただくために有効なトピックだと思ったので、最初に紹介しました。
さきほどはいきなり 「スケール」 の話が出てきて面倒でしたが、コードの話をするときに通常真っ先に登場するこの 「コード・ネーム」 については、スケールなんて面倒なものとはまったく無縁の、かなり機械的な数字の話なのでご安心下さい。ギターのコードに関する本は、弦の押さえ方の図がたくさん載っていてかなりややこしいですが、ピアノの場合にはとても簡単です。それでは順番に見ていきます。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
さきほど 「基本は白鍵」 の動画のところでCメジャーのダイアトニック・コードが登場したので、それを例にしていきます。まず、ド （C） からはじまるこのコード、いわゆる 「ド・ミ・ソ」 ですが、この３つの音を下から順番に見ていくと、こういう関係にあるのがわかります。ド から見て次の音 （ミ） が半音4つ上、その ミ から見て次の音 （ソ） はさらに3つ上。いま、こういう半音の位置関係にあることを 「4 - 3 の コード」 と簡略化して呼ぶことにして、次のダイアトニック・コードは 「レ・ファ・ラ」 ですが、これをさっきと同じように見ていくと、 「3 - 4」 になっているのがわかります。早速結論ですが、こういう 3つの音で構成された和音 （トライアド・コード） には大きくわけて2つしか種類がなくて、その違いは、 「4 - 3」 か 「3 - 4」 かという簡単なことなのです。で、前者のことを メジャー・コード、後者を マイナー・コード と呼び、聞きなれた表現でいえば、長調な感じ、短調な感じ、あるいは明るい感じ、暗い感じでも構いませんが、その差はこのように、トライアド・コードの3つの構成音のうち、真ん中の和音を半音下にずらすか上にずらすかで変わる・・・という、とてもデリケートな話だということがおわかりになると思います。
このとき、一番下になっている音 （ルート音） のアルファベットに、メジャー／マイナーをくっつければ、それがコード・ネームになります。具体的には、Cメジャー と Dマイナー ということになります。
この要領でほかのコードも見ていくと、次の 「ミ・ソ・シ」 はEマイナー、次の 「ファ・ラ・ド」 と 「ソ・シ・レ」 はF・Gメジャー、その次の 「ラ・ド・ミ」 はAマイナーだということがわかります。で、最後にB （シ） から始まるこのコードですが、実はこれが特殊で、数を数えてみればわかりますが、これは 「3 - 3」 となっていて、どちらにも当てはまりません。ということで、イキナリ例外を登場させて恐縮ですが、世の中にはメジャーにもマイナーにも属さないコードが存在するのがわかります。このコードについてはあとで登場するので、ここでは飛ばして先に進みます。
では次に、コードの構成音をひとつ増やして4つにしてみます。ダイアトニック・コードのところでは触れなかったのですが、和音が4つになっても、例のダイアトニックの話は有効で、このように白鍵ひとつ飛ばしで4つ重ねた和音も白鍵だけでできているという理由で、Cメジャー・スケールの曲におけるダイアトニック・コードです。トライアドの場合と同じく、これもひとつの音階にこのように7つ存在します。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
これに、さっきと同じようにコード・ネームをつけていくと、こうなります。
まず、ルート音から見て 「3 - 4｣か 「4 - 3」 かという話は共通で、そのあと、4つ目のコードをどう重ねるかで名前が変わってきます。この4つ目の音のことを 白鍵で数えて7番目の音という意味で セブンス （＝7度） と呼ぶ のですが、さっきと同様、セブンスには2種類あって、それぞれ メジャー・セブンス と マイナー・セブンス と呼ばれています。具体的には、3つ目の音 （白鍵で数えて5つ目 ＝ 5度） から見て 半音4つ上の音が重なっていたらメジャー・セブンス、3つ目ならマイナー・セブンス ということになります。例えばこのコードは、Cメジャー （ドミソ） に白鍵のシが最後の音 （ソ） から見て4つ上に重なっているのでメジャー・セブンスということになり、コード・ネームは 「Cメジャー・セブンス」 となります。この 「メジャー」 はセブンスにかかる 「メジャー」 で、トライアドの方 （ド・ミ・ソ＝Cメジャー） の 「メジャー」 は省略するのが決まりとなっているため、 「Cメジャー・メジャー・セブンス」 とはならないことに注意してください。同様に、セブンスの 「マイナー」 も省略することになっていて（ややこしいですが）、その結果、Cと言えば 「Cメジャー」 のこと、Cセブンスと言えば 「Cの、マイナー・セブンス」 のことを指すことになります。
ではセブンスのメジャー／マイナーの話がわかったところで、残りのダイアトニックを見ていきましょう。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
さて、さっきと同じように、やっぱりBのところで詰まりますが、これはこの次の 「コードの名前 その2」 のところで解説するので、ここではスルーして下さい。
以上、トライアドのコードの名前のつけ方と、それにもうひとつ音を加えたセブンス・コードの名前のつけ方について解説しましたが、これらのコードがわかれば、一般的なポップスの楽譜に載っているコードのうち9割以上がわかったことになります。残りの1割は、いわゆる 「ややこしいコード」 なので、はっきり言ってわからなければわからないで飛ばしてしまえばいい・・・というくらいの軽い気持ちでいても構わないと思います。何よりも、この基本である トライアド ＋ セブンス を押さえることが重要 です。
それでは次は、その 「例外的なややこしいコード」 について解説します。
ややこしいコードの筆頭は ナインス と呼ばれるコードです。読んで字のごとく、9つ目の音を追加するという意味で、セブンスの延長線上にあるコードだと考えることができます。具体的にはこういうコードを指すのですが、こうやって和音が5になると、さすがにぱっと見た感じややこしくなりますし、実際に楽譜上でおたまじゃくしをかくとぐちゃぐちゃになっています。ただし、考え方はシンプルで、セブンス （メジャー・セブンスではなく、ただのセブンスのほう） の半音4つ上に音を重ねたものをナインスと言います。ナインスについてはマイナーもメジャーもなくて、このようにセブンスに音を足すだけで、ナインスの響きが得られます。ついマイナー・ナインスと呼びたくなるようなこういうコードには、フラッティド・ナインス （ナインスにフラットをかける ＝ 半音下げる） という意味のコード名が当てられますが、ほとんど登場しないので知らんぷりしておきましょう。
ナインスというのはこのようにセブンスが成立していて、そこに音を加えるというのが本来の定義なのですが、はじめに言ったように音がぐちゃっとややこしくなるので、セブンスの音を省いて使われることのほうが多いと思います。そのコードがこれで、この音は、 「基本は白鍵」 の動画でサンプル曲として登場した 「TRUE LOVE / 藤井フミヤ｣ のイントロのあのギターの音なんですが、こういうコードは特別に 「アド・ナインス」 と呼ばれていて、このコードは 「C・アド・ナインス」 です。 「アド」 は英語の 「add」 で、要するに 「9番目だけを付け加える」 というようなニュアンスです。なので、覚え方としては、セブンスの4つ上というよりも、ルート音の半音2つ上だと覚えたほうが簡単ですし、実際にはこのようにルート音のすぐ上につけることが多い （1オクターブ上ではなくて） ので、感覚としてもルートの2つ上という感覚のほうが正しい気がします。
次に紹介する変なコード（？）は、ディミニッシュ diminish で、これは 「3 - 3」 で構成される和音 です。弾いてみるとすぐわかりますが、マイナー・コードの上の音をさらに半音ひとつ下げるとできるコードで、妙な響きのコードです。じつはディミニッシュは正確にはトライアドではなくて、もうひとつ音を足さないといけないんですが、それが3つ目の音のさらに半音3つ上の音で、結果的に 「3 - 3 - 3」 という何やらおめでたい感じのコードになります。で、実はこのディミニッシュを作っていると気づくのですが、 「3 - 3 - 3」 の上にさらに半音3つを足すと、ルート音に戻ります （この場合はC）。つまり、Cディミニッシュ（表記は Cdim ）は、E♭ディミニッシュであり、G♭ディミニッシュでもあり、Aディミニッシュでもあることになります。このように、コードの世界では、同じ構成音なのに、呼び方が違うコードというのがときどき登場します。
結局、1オクターブの中に鍵盤は12個しかないわけで、コードっていうのは、その12個の鍵盤を色々と組み合わせているうちにたまたま同じものができてしまう・・・ような、結構狭～い世界だっていうことですね、はい。
ディミニッシュは、読み方も構成も変なコードですが、意外と頻繁に登場するので無視できないため、ここで紹介しました。
次は オーギュメント。立場的にはディミニッシュの親戚みたいなもので、ディミニッシュが 「3 - 3」 だったのに対し、オーギュメントは 「4 - 4」 で、例えば Cオーギュメント （表記は Caug ） はこういう響きになります。これも一見マニアックですが、ちょくちょく登場するので覚えてください。カーペンターズの 「Yesterday Once More」 でもこういう感じで登場しています。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
次は サス・フォー （表記は sus4 ）。これは 「5 - 2」 で押さえるコードで、こういう音です。変わった音ですが、見た目的にはメジャー・コードの真ん中の音を半音上げる形なので、覚えやすいです。しかもこのコードには、 「直後にメジャー・コードに戻る」 という習性（？）があるので、実際に聞いてみると、 「あーあー、あるねえ」 とピンとくると思います。演奏動画の 「奏 （かなで） / スキマスイッチ」 でもこんな感じで頻出しています。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
「Csus4 のあとには C あり」 っていう方程式が成り立ちますね。
では最後に、今まで何度か登場しながらスルーされてきたコード 「シ・レ・ファ・ラ」 の話をします。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
これはCメジャーのダイアトニック・コードで、ルートがBの、4つの音でできた和音。これは一体何なのかというと、まずトライアドで考えると、音の構成が 「3 - 3｣ なので、ディミニッシュかな・・・と思いきや、そのあとに続く音が4つ上なので、 「3 - 3 - 3」 のディミニッシュとは違います。結論から言うと、これは 「Bマイナー・セブンス・フラッティド・フィフス」 （表記は Bm7♭5）というコードで、ややこしいですが、実は読んだままで、まず Bマイナー・セブンス を作って、それの5度の音 （僕は3番目の音と呼んでいますが） を フラット（＝半音下げ） した という意味のコードです。このように、コードの中には 「フラッティド何とか」 とか 「シャープド何とか」 という一時的に音を半音ずらしたものもあります。登場する機会はそう多くありませんが、出てくるときにはわんさか出てきて 「ほかにもっと簡単な書き方ないのか！」 と思わず言いそうになりますが、そこはひとつ冷静に 「どれを半音ずらすか」 ということを読み取って、鍵盤を押さえるようにしてください。
以上、登場機会が1割以下の妙なコードについて解説しましたが、この知識があれば、世の中のほとんどすべてのコードに対応できます。
動画の中で 1割 と言いましたが、実際には 2割 くらいかもしれません。・・・いい加減なこと言ってます、すいません。
はじめはコード・ネームを見て、 「えっと・・・ 3 - 4 のあと、4 だから・・・｣ と鍵盤の数を数える時間が多いと思いますが、何度もそうやってコードの押さえ方を考えているうちに、自然とコードが押さえられるようになります。とにかくまずは、トライアドとセブンスをマスターして、その他のややこしいコードについては、出てきたときにちょっと立ち止まって考える・・・ ようなやり方でコードに馴染んでいけば、上達は早いと思います。
それでは次は、コードの構成音を重ねる順番を変える 「転回形」 のお話をしたいと思います。
コードの名前その2の最後のところで触れましたが、いままで説明してきたコードは、ルート音があって、その上に他の音が行儀良く並んでいましたが、実際には、そういうコードばかりではなく、音の重なりの順序が違っていたり、構成音のいくつかが省略されていたりして、ぱっと見ても 「3 - 4」 だからマイナーだ・・・とはすぐにわからないコードがたくさん出てきます。たとえばCのコードもこういうふうに ソ を一番下に持ってくると ソドミ になりますが、いま仮に ソ がルート音だということにして、これまでの解説のとおりに数を数えてみると、 「5 - 4」 で、 「ん？ なんだこれは？」 っていう話になります。 実際には ソ と ド と ミ があるという時点で、これは ドミソ ＝ Cメジャー だな、という風にすぐに気づくのですが、これが もっと構成音の多いコードになると、順番をちょっと変わると途端に正体がわからなくなります。こういう、元の基本形からコードの構成音を重ねる順番を変えたもののことを、 「転回形」 と言って、一般のコード解説本なんかには、この転回の仕方で第一転回形とか第二転回形とか、いかにもコードの勉強をしたくなくなるような話が書いてありますが、実際にはこの転回形の話は全然重要ではなくて、コードの意味を考えたときに一番問題になるのは、一番下の音を何にするか、ということなんです。
実はここまでまったく触れなかったことがあるのですが、それは、左手も鍵盤を弾く、ということなんです。これは堅いコード理論の話ではなく、実際にピアノを演奏するときにはとても重要になってくることなので、実際に音を聴きながら、コードにおける左手の役割について話をしながら、もう一歩踏み込んだコードの名前のつけ方について解説します。
まず先に結論を言ってしまいますが、コード・ネームには、ここまでずっと話をしてきた 「何と何と何の音が混じっているか」 を表す記号とはまったく別に、 「何の音を一番下にするか」 ということを表す記号がつくことがあります。実際には 「C on G」 のように表記をして、 on の後に続く鍵盤を一番下にする という決まりがあります。実際には on の代わりにスラッシュを使って C / G と書くことの方が多いので、ここでは 「シー・オン・ジー」 と言いますが、表記上はスラッシュで繋がれていると思って下さい。そして、こういうコードのことを、 「オン・コード」 と表現します。オン・コードというと、何か特殊なコードであるかのように聞こえますが、実は、オン・コードでなくても、ポップスをやる限りにおいては、すべてのコードには、一番下の音を何にするかというのはちゃんと決められているんです。それが何かというと、例えばコードが C といった場合には、そこには C ＝ ド を一番下にしなさい、という意味が隠されているんです。もっと言えば、Ｃ と書いてあれば、 「ドミソ」 を弾くのは正しくて、 「ミソド」 を弾くのは間違いだ、ということになります。
さて、ここで左手の話に戻りますが、実際にポップスの演奏をするときには （特にこの場合にはピアノを弾き語る場合のことを想定していますが）、右手と同時に左手も演奏をしています。ということは、この一番下の音を何にするか、という話は、つまりは左手は何を弾くのか、という話だということが言えるわけです。実際には左手も複数の鍵盤を弾くことがあるわけで、左手の一番下の音は何を弾くんだ、という話ではありますが、あとで伴奏の話をするときに触れますが、左手の演奏方法の基本事項として、左手は単音（ひとつの音）だけを弾くつもりでいていい、という話があります。で、結局このオン・コードの話というのは、要するに 「左手が弾く音に関する話」 だ、ということになるわけです。（あくまでもポップスの話です）
イキナリ結論ばかり並べてしまいましたが、いくつか例を示しながらオン・コードを具体的に見ていきます。
まずは演奏動画にもある 「POPSTAR / 平井堅」 のイントロ （＝この場合はサビ） の部分を弾いてみます。
・・・と、その前に、少し右手のことについて触れておくと、ボイシング （＝どう鍵盤を押さえるか） を考えるときには、手はできるだけ動かさないほうがいい、つまり、移動距離が短くなるようにボイシングを選ぶ （＝転回形を選ぶ） ほうがいい、ということがあります。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
実際のコードではなく、説明しやすいように少し簡略化しています。
では、次にオン・コードを無視して弾いたバージョンをお聞かせしますので、比較してみて下さい。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
このように、大事なのは、右手がどういうボイシングをしているか、ということ （転回形の話） ではなく、左手が何を弾くかだ、ということがお分かりになると思います。
最後にオン・コードについて補足しておかなければいけないのが、 「オン・何とか」 の 「何とか」 の部分は、別にそのコードの構成音でなくても構わない 、ということです。例えばさっきの POPSTAR のオン・コードはすべて、もとのコードの構成音のうちのひとつを一番下にしていましたが、「C / A」 のようなコードもあります。
これは、右手は C ＝ ドミソ で、左手は ラ を弾け、という意味です。まるでピアノの楽譜のように、右手と左手で別々に五線があるような感覚ですが、コードというのはまさにそうなんです。
・・・ で、よく見ると、このコードは ラドミソ なので、 Am でいいじゃないのか？ という話にはなりますが、これは楽譜を作っている側が勝手に選んでいるだけなので、どちらでも構わないと僕は思っています。もちろん音楽理論的にどちらかがふさわしい・・・というような話はありますが、はっきり言って僕もそれを正しく判断できるほどしっかりした知識があるわけではないので、乱暴かもしれませんが、どっちでもいいと思います。それよりも大事なのは、見ているほうがわかりやすいほうが絶対にいい ということです。自分でコードを書くときに、Am7 よりも C / A がいいという人はそういう書き方をすればいいという話です。で、例えばこれが Am9 の場合には、ラドミソシ なので、これは ラ ＋ ドミソシ、つまり CM7 / A と書いたほうが、見た目上、右手の構成音が減って、明らかにボイシングが早くなります。と、いうことなら、絶対に Am9 よりも、オン・コード で書いたほうがいい、ということです。
例えそれが音楽理論的に間違っていたとしても・・・と、僕は思っています。
以上、コードの名前について、3つの動画を使って解説をしてきましたが、コード・ネームのつけ方とか、コード・ネームを見てどう鍵盤を押さえるか、という話はここまでにして、次からは、このコードの知識を、実際に演奏をする （弾き語りをする） ときに、どういう風に役立てるか、という話をしていきたいと思います。
まずは右手の弾き方・・・と、いきそうなところですが、右手については次回に回して、まずは左手の話から。左手の話からするということは、弾き語りにおいて左手が重要だ ということです。弾き語りに限ったことではないんですが、とくに歌に伴奏をつけるという場合に、左手はとても大事です。
なので、右手については、ここではとりあえずコードを押さえていくといういい加減な表現で済ませたいのですが、ひとつだけポイントを挙げると、コードの名前 その3 で少し触れたとおり、右手は、できるだけ移動の少ないボイシングを探す っていうことです。
では左手について。
まず結論ですが、 「左手はバンドにおけるベースのつもりで弾く」 ということです。つまり、弾き語りをはじめ、歌にピアノ伴奏をつける （ピアノだけで伴奏する） というときには、左手はベースのつもりで弾くといい伴奏になる、ということなんです。これはつまり、バンド演奏においては、ベースがとても大事な楽器である ということでもあるわけですが、これは実際にバンドで演奏した経験がないとなかなかピンとこないと思うので、ここは 「ふうん、そうなんだ」 ということにしていただいて、とりあえず先に進みます。
次に、これ以降の話には、前提として、 「もともとバンド形態で演奏しているある曲を、ピアノの弾き語りで演奏する場合のことを考えている」 ということがあるとします。もちろん、このサイトで公開している演奏動画はすべてこの範疇にある曲ばかりなので、単純に、ポップソングをピアノで弾き語る場合の話をしている・・・という風に思っていただいても構わないと思います。
で、このとき、ベースというのは、バンドの中で、最も低音の旋律を奏でることのできる楽器ですので、いま、バンド演奏を丸ごとピアノ伴奏に置き換えることを考えれば、ピアノ伴奏のうちの左手部分＝低音部分が、バンドのベースに相当するのは当然だ ということになります。つまり、左手には、ベース的な要素がある、ということです。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
そういうわけで、普通なら右手ばかりが脚光を浴びて（？）、不器用な左手は適当でいいよ・・・という話になりそうな空気を、イキナリ180度逆転させるような、いくつかのサンプル演奏をお見せしたいと思います。取り上げるのは、基本は白鍵 で登場した 「True Love」 です。Cメジャーで白鍵が多くて見やすいのと、コードが簡単なので、コードを覚えたててでも比較的ピンとくる話になるだろうと思ってこの曲を選んでいます。
実演。 ※動画を参考にして下さい。
まず、基本は 「単音」 。何と言っても単音。左手で単音が弾けないと他は弾けません。
次に、左手のホーム・ポジション （パソコンみたいですが） は 「オクターブ」 です。いつでもオクターブで弾けるように指を構えておきます。
その次は、「経過音」。ファ の次に ソ を弾くのであれば、その間のファ♯を何となく（！）弾いてみる感じです。あまりやりすぎるといけませんが、コードの構成音がどうこうということを考えずに、とにかく間の音を触ってみる・・・という軽いノリで使えるテクニックです。
最後に、5度の音も意識しておく こと。コードが C であれば、2つの ド に小指と親指を置きつつ、いつでも ソ を弾けるように身構えておく、ということです。
頭でコードの構成音を思い浮かべておく必要がありますね。
そこまで 「左手が重要だ！」 って言うなら・・・ ということで、左手だけで 「True Love」 を弾き語る、というのをやってみたいと思います。
実演。 ※ぜひご覧になって下さい。
以上、左手の演奏を変えると、曲の感じが変わる・・・という例をいくつかお見せしましたが、左手だけで十分に演奏に 「色」 をつけられることがわかります。 このように、一見隅に追いやられそうな左手が、ピアノ伴奏においてはとても重要だ、ということが納得していただけたと思います。
次は、２番手に追いやられてしまった 「右手」 の話 （※2007年11月1日 現在 準備中です）
曲をコピーするからといって、何も歌い方まで真似しなくてもいいとは思う。でも、ついやってしまう歌マネ。ほんの気持ちではあるけれど、歌い方を真似る。声はあまり似てないかもしれないけど、とりあえずやってるつもりになる。そうすると、不思議と似てくる。これはいい例だと思う。
おかげで妙な歌い方だ（レイ・チャールズかと思った）し、姿勢も悪いんだけど・・・まあいいや、ちょっと似てるから。
僕がチャゲアスをよく聴いていたのは1990年代前半、中学生のとき。ドラマ 『101回目のプロポーズ』 の主題歌 「SAY YES」 が大ヒットして、「スーパーベストⅡ」 が発売された頃だ。言うまでもなくチャゲアスには名曲が多くて、演歌調のデビュー曲 「ひとり咲き」 は今でも僕がカラオケに行くとかなりの確率で１曲目に歌うし、デビュー翌年の曲 「万里の河」 も大好きだし、「マリオネット」 もいいし、「スーパーベストⅡ」 の曲は全部名曲だと断言できる。そんな名曲揃いのチャゲアスにあって、飛鳥涼 （いまはASKA名義） がソロで出した曲の中にも名曲はたくさんある。そしてこの 「はじまりはいつも雨」 はその筆頭。
こんな前振りなんかなくてもみんな知ってるよな・・・と思ったけど、もしかしたらいまの若い人には「チャゲアス」なんていっても通じないのかもしれないと思って書いてます。僕が子供の頃に、「狩人」って言われてもピンとこなかったように。
もともとピアノ曲ではないし、ピアノだけでこの曲の 「感じ」 を出すのは大変だろうなと思ってたけど、やっぱり大変だった。特に一番難しかったのはイントロ。楽器の数は少ないんだけど、「この楽器 （パート） さえコピーすれば雰囲気が出る」 っていうパートがなくて、全部が揃ってはじめてイントロが成立する・・・といった感じの原曲。しかもそれぞれのパートの存在感が薄くて、薄～い色が何重にも重なったペイントみたいな、まったくもって絶妙なアレンジ。そしてこういう部分はとてもピアノに置き換えにくい。しかもこの曲全体の空気をイントロが支えてる感があるから、絶対に手を抜けない。で、試行錯誤した結果、こんなアレンジになった。市販の楽譜がどんなことをやってるのか全然知らないけど、この曲をピアノで弾いて、すぐに 「あ！ はじまりはいつも雨だ！」 とわかってもらえたら、それはそのアレンジがよくできてる と言えるんじゃないかと思ってる。そして、そんなアレンジだと皆さんが思ってくれたらいいなと思う。
「ピアノ難民を救え！」 で配信してる動画の中でいえば、平井堅の 「瞳をとじて」 に近い、いわゆるジャーンとゆったり和音を鳴らすタイプの伴奏なんだけど、張り切って弾きすぎず、音数をできるだけ減らしたほうが感じが出る。ただ、絶対に外せない音＋リズムがいくつかあって、楽譜 （ダウンロードできます！） の中には詳しく書いたけど、中でもAメロ冒頭の左手の２つ目の音 （シンコペーション？になるのかな？の２つ目の音） は重要。Aメロはこのリズムを守って 「ド～・ド～～～ソ ド～・ド～～～」 で弾かないと絶対にダメ。逆に言えば、これさえ守れば右手は適当にやっても歌える。
それから、曲全体を通して、トップで鳴っているストリングスのラインをちゃんと弾くとそれっぽくなる。楽譜上にはある程度再現しているので、はじめは歌いながら弾くのは難しいかもしれないけど、できるようになると結構気分良く歌えるのでがんばって練習してください。あと、左手は基本的にベースのパートをコピーしているので、ベースらしい音の動きをピアノで弾くのが少々やっかいかもしれないけど、これも練習あるのみです。
サビ前のリタルダンド （ゆっくり弾く ＝ テンポを落とす） は不要かもしれません。僕はついつい気分でこう弾いてしまいましたが、あとで聴くとあまりいいテンポチェンジではなかった気がします。反省。
一番最後の 「ふーたーりー、星をよーけてー」 のところのアレンジは我ながらよくできてます。ここは静かなピアノを消さないように、囁くように歌うと◎です。
・・・歌詞を ・・・間違えて ・・・歌って ・・・いました（悲）。
どこかは書きません～
どうしようか迷いましたが、その部分 （歌詞3文字分） だけ録り直しました。が、映像を見ているとやっぱり （というより当然） 違和感があります。最後まで気づきませんでした。
ご指摘をいただいた T.O. さん、ありがとうございました！
「POPSTAR」 のところに長々と書いたのでそちらに譲ります。
まとめると、「今のところ、男性ボーカルで僕が一番安心して聴けるのが 平井堅だ」 ということです。
どうでもいいことだけど、この動画でやたら僕が黒いのは、これを撮影したのが石垣島に遊びに行って帰ってきた直後で、素で日焼けしてるからです。袖のところの焼けムラがかなり恥ずかしいですが （笑）
オリジナルのキーが E♭ で、そこから 半音3つ低くして、Cメジャーにしている。平井堅の曲はさすがにオリジナル・キーでは高すぎて歌えないからだ。本当は マイナス2 でもよかったんだけど、もうひとつ下げれば Cメジャー になって白鍵ばっかりでいいなーという理由で、結局 3度下げ にした。
そんな理由でいいんですか？ いいんです。
そのおかげで、解説動画の中でも ハ長調 ＝ Cメジャー っていうことで、ダイアトニックコードの説明をするのにいいサンプルになったし。
あと、サイトのリリース前に何人かの友達に聴いてもらったんだけど、「声が平井堅に似てる」 という反応がいくつか返ってきた。そんなこと考えもしなかったけど、確かに 桑田佳祐 よりは似てるだろうけど・・・とは思うけど、そうかな？ という感じです。でも、「声が似ていると思われること」 は、こういうカバーをやる上では有利なので、それはそれでよかったということにしようとは思う。
アレンジについては、原曲のピアノ・パートをひたすらコピーしたのがベースになっていて、あとはそれに ストリングス （弦楽器の総体的な音色？） のフレーズのうち、トップ・ノート （＝一番高い音） をピアノに取り込んでいくという基本手法 でアレンジ。サビが4回出てくるんだけど、全部アレンジ （弾き方） が違うので、もし楽譜を作るとしたら、リピート記号がほとんど使えないので長～いスコアになると思う。僕はコピー（ ＝ 採譜 ＝ 耳コピ） しながら練習したようなものだから、「さあレコーディングだ」 っていう段階になるずっと前から暗譜していたけど、このアレンジの違う4回のサビを練習＋暗譜するのはちょっと面倒かもしれない。
サイトのリリース時 （2007年11月1日時点） では楽譜のダウンロードはできないのですが、たぶんそのうち 「楽譜が欲しい！」 っていうリクエストがわんさか来て、一部500円くらいでダウンロード販売する・・・ことになる予定です。
楽譜が欲しい！ という声をたくさんお寄せ下さい。 [ 送信フォーム ]
あと、歌のほうは、ヘタっぴなりにぼちぼちいい線いってるほうだと思う。やっぱり練習した期間が長いほど、うまく歌えるようになるものだ。これはとても重要なことなので、「僕は／私は歌が下手だ！」 っていう人は、「歌だって練習しないと上手く歌えないもの ＋ 練習すれば上手くなるものだ」 っていうこを忘れないようにして下さい。
この曲は、ピアノもなかなか難しいんだけど、歌のメロディラインをコピーするのに結構ヨイショがいる。特に、Bメロの 「・・・消し去ろうと願うたびに～」 の最後の 「に～」 の伸ばし終わるところで、音程がぐっと落ちるような音の切り方をする。僕も全然うまくできていないんだけど、ここをコピーしないと曲の感じが出ないので、原曲を要チェックです。あとサビの 「僕の心を～」 の 「を～」 の伸ばす部分も、同様に音程が落ちながら音が切れる歌い方をしている。
妙な表現だけど、これ以上うまい言い方が見つかりませんでした。どの部分のことかわかりましたでしょうか？
こういう歌の歌いまわしについても、まずは 「原曲を真似る」 というのが基本です。そのためには何度も聴くこと。これしかありません。
実は僕は2007年の夏ごろまで、スキマスイッチのことを知らなかった。たまたま スペースシャワーTV でクリップが流れていて 「お？」 と思ったのと、ちょうどベスト盤が発売になったところだったから、CDを買ってみようかなと思った・・・というのがスキマスイッチとの出会い。だから、実はこのサイトのリリース時には、スキマスイッチ暦数ヶ月というペーペーで、ほかの演奏動画の KAN や Ben Folds Five や 平井堅 と比べれば、キャリア （つきあい？） が短い。
でも、この二人の音楽センスの良さにはすぐ気づいたし、これからもいい歌をもっとたくさん作って欲しいという思いで、1曲コピーすることを決意した。
ミスチルを敬愛しているっていうのも曲を聴くとわかりますね。
ベスト盤を聴きながら、どの曲をコピーするか迷ったんだけど、アップテンポなら 「View」 で、バラードなら 「マリンスノウ」 かこの 「奏（かなで）」 だと思っていたんだけど、最終的には 「歌ったときの気持ちよさ」 で選んだ。特にサビを特徴づけている 「君が大人にな～ってく」 の 「な～」 の部分は、練習すればある程度外さずに歌えるようになるんだけど、ここが決まるとかなり気持ちがいい。
この曲についても、1曲だけで十分解説動画を作れるだけの研究要素があるんだけど、まだ準備できていないのでちょろっとここに書いておくと、この曲の肝は左手の弾き方だ。もっというと、ペダルの踏み方。
Aメロは別段変わったことのないアレンジなんだけど、サビのベースのフレーズが、「ボッ、ボー、ボッ、ボー」 というリズムになっていて、ベースだけを弾くなら別に難しくはない （んだろう） けど、これをピアノ・アレンジにして、右手は普通に平坦な演奏をしながら左手だけをこのリズムに合わせようとすると、ペダル （サスティン・ペダル） をうまく操作しないと全然サマにならない。
動画を見ていただければわかるけど、左手は、見た目には 「ボッ、ボッ、ボッ、ボッ」 と音を切るように弾いていて、どちらかというとスタッカート （＝跳ねるように弾く演奏方法） 気味だ。でも、実際には音が切れていないのは、最初と3番目の 「ボッ」 はそのままスタッカートの音を出して、2番目と4番目の 「ボッ」 の直後にペダルを踏み込んで、音が伸びるようにしている からで、これはちょっと練習しないと、すぐにはなかなかできない。
見ればすぐわかるんだけど・・・書いて伝えるのは難しいですね。
実際には、サビの前半部分はずっと同じ調子で弾くから、一度パターンがわかるとそれほど難しくはないんだけど、サビの後半でその跳ねた感じがなくなるのでペダルの踏み方を変えないといけないのと、右手を動かしながらもちろん歌も歌うわけで、僕もこれをマスターするのにはしばらくかかった。でも、一度慣れてみると、この 「左手はポンポン跳ねているのに、ペダル操作で音を変える妙技」 （？） が気持ちよくて、すっかり僕のお気に入りの1曲になった。
それから、この曲は間奏後のCメロのあとのサビで転調して、キーが半音3つ上がる。なので、原曲のキーでも前半は歌えるんだけど、後半かなりきつくなるから、僕は半音2つ下げで歌っている。
聴いた感じより、大橋卓弥 の声が高かったんですね。
スキマスイッチについては今後もチャンスがあればじゃんじゃんコピーしていきたいと思っています。
リクエストも一応受け付けているので、メッセージを送ってみて下さい。 [ 送信フォーム ]
ついにゲスト参加が実現。 「一番大事な／歌いたい曲を1曲やろう」 って感じで、バンドをやってた頃の友達・知り合いに片っ端から声を掛けてるんだけど、いい感じでエリカから返事が返ってきて、僕も大好きな曲だったので、急遽年末 （2007年） にレコーディングをすることになった。
見ての通り、歌が上手いです。そして、声が似てる。「ピアノ難民を救え！」 にふさわしいゲスト＋選曲です。
誕生日：1978.12.29 ／ 血：A型 ／ 足：24cm ／ 背：166cm
歌うことが好きです。最近ブルーチーズがやたら好きです。最近タバコをやめました。ビールとスコッチミルクとサングリアが好きです。空港とか、公園とか、静かでだだっ広い場所が好きです。好きな言葉は 「いつも心に太陽を・くちびるに歌を」 です。小学校三年生の時、担任が音楽の先生で、クラスの壁にこの言葉が1年間貼ってありました。この曲とは2000年にタワレコのインディーズコーナーでたまたま視聴したのが出会いで、まんまとEGO-WRAPPIN'のファンになりました。「なにこの曲、かっこよすぎる!!!!」 という訳で。一番歌い辛かったのは、聴いていただいたらおわかりになるかと思いますが、サビの中の 「光の渦」 「デジャブの香り」 という部分です。ギリギリです。 （声出てんのか、これ？） いっぱいいっぱいです。修行します。10年程前はかなり真剣に歌うことと向き合っていましたが、社会人になってから、だんだん離れていきました。ある意味、「歌難民」 と呼べるのかも。今回このピアノ難民に参加出来た事で、よい刺激を受けました。歌うとき気をつけているのは、上手く歌ってやろうと思い過ぎない事 です。とにかく、音に乗っかって気持ちよく歌う事を大切にしたいと思っています。お聴きいただいた通り、雰囲気だけで荒削りな歌い方ですが、この曲のかっこよさが伝われば嬉しいです。
エリカ、ありがとう。
時間があまりなかった、っていう理由もあるんだけど、今回はいい楽譜があったからそれを見て弾いた。この曲を耳コピ （＝聴きとって採譜） するとなると、無理ではないけどさすがにヨイショがいる。
というわけで、よく見るとわかるんだけど、動画の前半は左のほうを見ていて、後半は右のほうを見ています。あんまり楽譜に視線を送らないように意識はしましたが、多少妙な感じもします。
実は、いつも曲のコピーをする前に 「楽譜あるかなー」 って探す有料の楽譜配信サイトがある。その名も 「＠ELISE（アット・エリーゼ）」。 僕が知っている中では、一番楽譜の数が多くて、楽譜のクオリティ （コピーの精度＋アレンジの的確さ） が高い。ピアノの弾き語り用だけじゃなくて、ギター用のスコアやピアノ・ソロの楽譜なんかもあって、難易度別に複数の楽譜がある場合もある。多いのになると、1曲につき6つ以上スコアがある場合もある。本当にご苦労様です、っていう感じだ。
コードを取るのが面倒なときは、このサイトから買った楽譜のコードを参考にして、コードを直したり、アレンジを決めたりして自分用のスコアを作ることが多い んだけど、今回はさすがに楽譜 （おたまじゃくし） を見ながら弾いた。動画中、たぶん7割くらいは楽譜どおりで、残り （主に歌のある部分） はコード弾きをして適当に合いの手を入れる感じで弾いている。というわけで、これを楽譜にして無料配布したのではエリーゼさんに失礼 （※もちろん権利上の問題もある） なので、この曲に限っては 「楽譜が欲しい！」 という方はここからダウンロードして下さい。たったの300円ですし。
僕が弾いている楽譜 「色彩のブルース」 ピアノ弾き語り 中級
最初に書いたけど、今回は撮影まで日がなかったので、かなり固めて練習した。たぶん30時間前後だと思う。これを長いと思うかどうかはさておき、そのくらい練習しないと弾けない。運指も例のごとくめちゃくちゃ （手が大きいのに任せて） なので、この動画を見ながら練習しても 「届きません＋動きません」 ってことになると思うから、楽譜を見ながらじっくり運指を決めてから取り組んだほうがいいと思います。
イントロ６小節目の手の動きが僕にも見えません。かなり無茶な運指です。
歌のある部分はそれほど難しくない。コードの種類が少ないので、難しいコードの押さえ方をいくつか覚えてしまえばだいたい弾ける。問題は何といってもピアノのソロ部分。先に左手だけの話をすると、まずはイントロを気持ちよく弾けるようになるまでひたすら練習して、左手のウッド・ベースのラインをスムーズに弾けるようになる必要がある。これができれば、間奏＋終奏も左手はほとんど同じ要領でいける。
こういう 「ボン・ボン・ボン・ボン」 と四分音符を淡々と弾く感じのベースを 「ウォーキング・ベース」 と言います。歩くように淡々と弾くイメージから、だと思います。
で、この左手が、ジャジーな印象を持たせる一番のポイントなので、左手はとにかくリズムが崩れないように注意。パターンもそれほど多くないので、はじめは弾きやすい４小節分のフレーズをがっちり決めて （Aメロの頭の4小節等）、それをひたすらそれを繰り返すのも上達のコツかもしれない。こういう言い方をあまりしないほうがいいと思うけど、この曲は、左手はリズムさえきっちりしていれば音はどうでもよくて （もちろんコードが外れたらNGだけど）、右手をいい感じでボーカルの隙間に入れる （合いの手を入れる） のに集中すればいい。理想は、「左手は何も考えなくても勝手に動く」 っていう状態です。
言うは易し、ですね。
一方、右手はというと、僕が弾いているのはほとんど単音なので、弾くこと自体はそれほど難しくない。何といっても大変なのは 譜読み。面倒だけど、今回はこればっかりは避けられないので、まずは譜読みをして、楽譜をちょっと見たらすぐに指が動くように、ソロのメロディを頭＋体に叩き込むしかない。
いつもコードを見て適当に弾いてるので、たまにこうやっておたまじゃくしを真剣に追いかける作業をするとめちゃくちゃ疲れました。ダブルシャープをこんなにまとめてみたのは何年ぶりだろう・・・（笑）。
以上、あまり参考にならないようなことを書いたような気がしますが、この曲は、全部弾けなくてもイントロだけで恍惚とした気分になれる名曲 なので、まずはイントロから挑戦してみて下さい。
「色彩のブルース」 の発売は 2000年9月2日。この動画の撮影日は 2007年12月30日。
おかげで2007年の大晦日と正月はずっとこの動画編集＋ミキシングをやっていて、いつの間にか年が明けていました（笑）。
僕も／私も出演したい！ という方はこちらから。 [ 送信フォーム ]
技術解説ページでは、上に挙げた3つの技術について、できるだけ詳細に解説をしたいと思う（全5ページ）。中にはかなり込み入った記述もあり、その方面の知識が全くない人には難しい内容もあるけど、「へー、そんな世界があるんだ」 くらいの感じでわからないところは読み飛ばして下さい。でも、 読み飛ばしつつも全部読めば結構わかった気になる・・・ような文章を書くように心がけるので、 （とても長いですが） 上から順番に読んでいただくことをオススメします。
それから、機材や道具を紹介する際に、いちいち「どこでいくらくらいで買えるか」を書いてあるのは、「それほどお金はかかっていない」 というのをアピールするためです。もちろん、「ピアノ難民を救え！」 的なものをいつか作ろうと思っている有志に、コストの参考値を示す という目的もあります。
ただし、中には 「高いっ！」 と思われるものもあるかもしれません。
それから、僕はWEBに関してはそれを生業にさせていただいている部分もありますが、映像と音に関してはプロフェッショナルではありません。非常に偉そうなことを書いていますが、わずかな体験と怪しい情報源と思い込みを頼りに書いている部分も多々あるので、中には間違いもあると思います。ですから、ご指摘いただければ訂正するのでご連絡いただきたいのと、ときどき 「らしい」 とか 「だそうです」 とか 「たぶん」 というような表現を使いますが、そういう記述があった箇所は噂話程度に収めておいていただければ幸いです。
「・・・らしいです」 とかいった具合に書きます。
ピアノ演奏の技術については、動画つきで多くを解説していますのでそちらをご覧下さい。 [ 弾き語るには？ ]
それではまずは映像関係の話から。音・WEBのことを先に知りたい方は上のリンクを使って下さい。
ただし、【映像】 編から順番に読んでいくと一番理解が深まるようになっています。
【映像】 - 撮影、照明、編集 -
作業部屋の全体図 / カメラについて / カメラの設置について / 上カメの設置について / 照明について / ホワイトバランスについて / ピントについて / リモコンについて / 編集ソフトについて / クロマキー合成について / シートについて / キーイングについて / 照明の当て方（＝ライティング）について / 映像をパソコンに取り込む / いざ、編集 / AfterEffectsでクロマキー合成 / 最後の仕上げ / 出力（レンダリング）
作業部屋と言っても、寝室以外の唯一の部屋（一応リビングってことになってる）が、いつもこんな状態。使用している機材はこれら＋パソコン1台＋モニター2台。映っている各機材についてはこのあと順番に解説していく。
使用したカメラは Victor GR-D290 と Victor GR-D230 の2台。どちらも2004年頃の機種で、現行の同クラスのカメラに比べると性能は明らかに劣るけど、YAHOOオークションでどちらも2万円以下で入手できたのでそれでよし。
できるだけお金をかけないようにするのも技術のうち（？）だと思っているので、オークションは大いに活用。
現行機種に劣るとはいえ、最終的にはWEBに掲載するので、DVケーブルでパソコンにキャプチャさえできれば画質はそれほど問題ではない。それよりも、（後述するけど）カメラを高いところに変な角度で据え付けたり、長時間連続で撮影したりと、ぼちぼち過酷な状況で使用することが多いので、「いつ壊れてもいい」 くらいのノリで使えるほうがいい。となると、中古で安く買うのが僕にとっては精神的に一番健康だったりする。
GR-D290 は鍵盤を俯瞰するアングル （＝上カメ）、GR-D230は横からのアングル （＝横カメ） に使用。
[うえかめ/よこかめ] というのは、カメラを区別するために僕が勝手に呼んでいるもので、上から撮ることを上カメと呼ぶわけではありません。解説する上でわかりやすいだろうと思ってこう記述しているけど、実は普段は 1カメ （いちかめ）、2カメ （にかめ） と呼んでいます、テレビ風に。
両機は性能的にはほとんど同じだけど、上カメのほうがレンズが広角だった （上カメ:35mmカメラ換算42mm~、横カメ:同49mm~） ので、できるだけピアノの鍵盤を広く撮影したいということで広角な方を上カメに採用した。
横カメはヨドバシカメラで2000円くらいで売ってるミニ三脚に取り付けて机の上に設置するだけでよかったんだけど、上カメはなかなか大変で、少々お金もかかってる。
上カメは、左図のように、壁際の 「組み立て網」 （商品名がわからない・・・） に、3本の足のうち1本にフックを取り付けたミニ三脚を引っ掛ける感じで取り付けている。残りの2本の足はそのまま壁に当たり、三脚を支えている。足の先の黒いものは、壁に傷がつかないように＋足が動かないようにするための防振ゴム。垂れているのは電源ケーブル。パソコンにキャプチャするときは、PC本体から3mのDVケーブルをここまで伸ばしてきて接続。長さはいっぱいいっぱいだけど、DVのデータ転送の規格のせいで、3mより長いものは （通常） 販売していないので仕方ない。
組み立て網はホームセンターで買えます。ポール×2＋網で6000円くらい。
冒頭の必要な知識のところに 「照明」 なんて偉そうに書いたけど、実はほとんど素人。でも、ヨドバシカメラに行くと立派な照明コーナーがあって、そこをうろうろしているうちにちょっとわかった気になったので、やっぱり偉そうなことを書きます。
メインの照明はこの白色電球と天井の蛍光灯。色温度の違う照明を混ぜるな、というのは基本みたいですが、まあ、そこまで細かいことを言うレベルの撮影をしていないので、明るさ優先で2つともつけている。ただし、撮影のときには窓とカーテンは全部閉め切っているので、夏場はクーラーがないとすぐサウナになる。
窓とカーテンを閉める理由は2つ。1つは音が漏れるから。2つ目は、部屋の照明の状態を一定に保ちたい から。時間帯や外の天気によって部屋の中に入ってくる自然光は大きく変わる。だから、窓もカーテンも閉めて、人口の光だけで常に同じ照明環境を作ろうとしている、というわけだ。これはとても重要なこと。
それから、白色電球は150Wのフラッド・タイプで、後述の クロマキー・シート （合成用の緑色の背景） までの距離が2.5mくらい。これに天井のシーリングライトをマックスで照らして、うまく緑が抜けるくらいの光量が得られる。参考までに、合成担当の横カメの露出はAGC (オートゲインコントロール：ビクター独自の機能/呼称かもしれません) ありで露出補正マイナス2です。
電球の 「フラッド」 は 「スポット」 の反対で、まんべんなく照らすタイプの電球…のようだ、ということがヨドバシカメラを1時間ほどうろついた結果わかりました。たぶん、Flood＝洪水で、光の洪水のように、という意味のネーミングだと思います。
あと、上の 「作業部屋の全体図」 のところにちょこっと写ってるんだけど、ピアノの上のパソコン・モニターの右のあたりに小さな丸い電球があって、それが顔を右前から照らしている。メインの照明が強くて顔の裏側 （緑のスクリーン側） に影ができるので、それを少しでも和らげようという意図がある。40Wのおもちゃみたいな電球だけど、これがあるのとないのでは出来栄えが全然違ってくる。
ホワイトバランスとは、撮影環境によって微妙に変わる 「真っ白」 の色を調整する機能。蛍光灯の部屋では物が青白く見える、とか、ロウソクの光に照らされると黄色味を帯びる、とか、光の種類 （色温度） によってものの色の見え方が変わってしまう現象を機械的に矯正するのがホワイトバランス。
業界では略して 「ホワイト」 とか 「ホワイトを取る」のような言い方をするみたいです。
さてそのホワイトバランスだけど、上カメはマニュアルで、横はオートで取っている。編集のときにある程度は色調整できるとはいえ、やはりホワイトはしっかり取って、フラットな色味になるように撮影するのが基本。でも横カメがオートなのは、着ている服が毎回違い、しかも結構派手な色のものを着るので、「毎回やるのは面倒だし、編集の段階で半分くらいのサイズに縮小される （＝誤魔化せる） し、まあいいか・・・」 といういい加減な理由。カメラが壁際ギリギリにあるので、マニュアルでホワイトを取りにくい、という理由もあるにはある。
一方、上カメのほうは、常にほぼ同じ被写体 （肘から先しか映らない） で、色味が変わらないため、一度マニュアル取ったホワイトを基本的にずっと使っている。上述の 「部屋の照明環境を一定に保つ」 というのもこの辺で効いてくるというわけだ。
念のために断っておきますが、僕は映像についてはその道のプロではないので、あちこちで仕入れた生半可な知識とわずかな経験をもとに、この環境ならコレでOK、というものをひとつの情報として提供しています。なので、大きく間違ったことは書いていませんが、どの環境にも当てはまる話だというわけではありません。悪しからず。ただし、音とWEBについてはもう少し確かな情報を提供できる、と、思います。
これはホワイトバランスよりも重要な問題。でも、やっぱり横カメはオートで、上カメはマニュアル。横カメがオートの理由は、「編集の段階で半分くらいのサイズに縮小されるし、カメラが壁際ギリギリにあるからマニュアルで合わせにくい」 ということ。
要するにさっきと同じですね （笑）。
でも、上カメについてはちょっと事情が違う。まず、ピントはマニュアルで合わせると書いたばかりだけど、正確には 「オートで合わせて、固定する（マニュアルモードに切り替える）」 のだ。なぜかと言うと、カメラの小さなディスプレイでは、ある程度距離の離れた（あるいは小さな）被写体にしっかりピントが合っているかどうかを確認するのが難しいからだ。だから、合っているかどうかわからないディスプレイでマニュアルで適当にピントを合わせるよりは、オートに任せたほうが正確にピントが合う。
・・・さて、こんなことを書くと、必ずこういう反論が返ってくる。
「カメラのマニュアルを読んでないんですか？ ・・・遠くの被写体に正確にピントを合わせるには、先にズームしてピントを合わせておいて、それからカメラを引くようにする・・・ って、書いてありますよね？」
はっきり言うけど、これは嘘だ。正確には、「まるっきり嘘ではないけど、当てはまらないケースが多々ある」。これがレンズの品質せいなのか、ズーミングの機構のせいなのかわからないけど、僕の想像では家庭用のビデオカメラには当てはまらないケースが多いんじゃないかと思う。実際にやってみればわかるけど、ズームしてマニュアルでピントを合わせてからカメラを引くと、ピントがずれている。それよりも、オートに全部任せたほうがピントが合う。理由を聞かれても困るんだけど、少なくとも僕の経験ではそうなるのだ。
ちなみに、ピントを正確にあわせるには、ピントをオートのままでズームして、そこから数ステップにわけてカメラを引いていくのがいいみたいです。一気に 「スー」 っと引くのではなく、カクカクとズームボタンを操作して、少し引いてはオートでピントが合うのを待って、また引く・・・っていうのを繰り返す要領で。
録画のスタートは、リモコンで操作している。最近はリモコンのない機種もあるみたいだけど、ここでやってるみたいに2カメ撮影を一人でするときには、リモコンがあるととても助かる。もちろん、ビデオカメラを買うときに、同じリモコンで操作できることを調べてあるのは言うまでもない。だから、リモコンを操作すると、2台のカメラが同じ動きをする。録画のスタート／ストップはもちろん、テープの巻き戻しも同時にやれるから、やっぱりリモコンは便利だ。
さて、撮影が無事終了したら、OKテイクをパソコンに取り込んで編集に移る。
使用するソフトは 「Adobe Premiere Pro2」 と 「Adobe After Effects 7」 。どちらも単体で買うと10万円前後するとても高価なソフトなので入手するのは難しいかもしれないけど、ビデオカメラについてくるおまけソフトや、2万円くらいで買える安価な編集ソフトでも同じようなことはできる。ただ唯一、クロマキー合成だけは、After Effects の 「Key Light」 っていうプラグインでないと、ここまで気持ちよく色を抜くことはできない。
KeyLight はプロ御用達のクロマキー合成プラグイン。ハリウッド映画にも使われるほどで、クロマキー合成といえばKeyLight っていうほどものすごいプラグイン・ソフト、だそうです。AfterEffects6 以降にバンドルされているみたいです。
編集とはいっても、実はクロマキー合成以外は大したことはしていない。上カメで撮影したものは、4点ガベージマットで細長い形に切り出して、横カメは緑色を抜いて黒に差し替えて、少し縮小して右上に配置する・・・たったそれだけのことだ。
書くと余計に簡単に見えるな・・・ちゃんとあとで解説します。
冒頭から頻出している単語 「クロマキー」 。勘のいい人なら何となくわかると思うけど、青いシートを背景に置いて撮影し、編集の段階でその青を抜いて （透明にして） そこに別の映像を重ねることで、現実にはあり得ない映像を作る合成手法のことだ。
実際には色は何でもよくて、僕は緑を使っています。
「ケネディ大統領と握手するフォレスト・ガンプ」 とか、「森光子が2人で会話するタケヤ味噌のCM」 とか、映画やテレビではすっかりお馴染みになったので、珍しくもないし、見てもとくに驚いたりはしないと思う。でも、これを実際に家でやると、それなりに準備がいる。
必要なのは3つ。シートと、編集ソフトと、的確な照明だ。
「シート」 という表現が正しいのかどうかわからないけど、とにかく 「一色の撮影用背景」 のこと。素材は安価な紙のものから高価な布地のものまで色々ある。
シートには、一般的には青か緑が使われる。なぜ青か緑かというと、人間の肌の色に含まれる イエロー や マゼンタ （白色人種の肌の薄い赤み） と補色 （＝反対の色） 関係にある色がブルーとグリーンだ、というのが主な理由のようだ。僕が緑を選んだのは、撮影のときにはいつもジーンズをはいているからで、もしブルー・スクリーンを使っていると、合成のときに僕の下半身が透明人間になってしまう。
グリーン・スクリーンのほうが、ブルー・スクリーンよりも光量が少なくてすむ、という事情もあり、グリーンが使われるケースが増えているそうです。
僕が買ったのは、紙のグリーン・シート で、値段も 3675円 とびっくりするくらい安かった。これを、通販で買ったこれまた安～いハンガー掛け （1580円! めちゃくちゃ安い!） に取り付けてばっりちOK。専門的なスタンドを買わなくても、これだけで十分です。
「クロマキー合成用グリーン・シート」 はこちらで購入できます。
送料を含めてもふたつで8000円以下。一家にクロマキー合成ワンセット、いかがしょう？
数年前から、家庭でもパソコンさえあれば簡単に映像の編集 （ノンリニア編集と呼ばれる） ができるようになった。ほとんどの編集ソフトに 「キーイング」 と呼ばれる、何らかの方法で、2つ以上の映像を重ねて合成する ためのプラグイン・ソフトが含まれている。だから、どれを買ってきても、とりあえず合成はできる。あとはプラグインの品質の差だ・・・と言いたいところだけど、僕が思うに、うまくキーイングで合成できるかどうかは、シートの設置＋照明の当て方にかかっている。
編集ソフト上の各設定等、詳しくは後述の 「AfterEffectsでクロマキー合成」 の項目を参照。
もちろん高いソフトには高品質のプラグインが同梱されています。そして、先述のKeyLightがキーイング・ソフトの最高峰にあるのは間違いなさそうです。
大事なのは、ムラなくまんべんなく当てること。そして、当て過ぎないこと。
キーイングでは、「ある色範囲」 を指定して、それらを透明にする。つまり、例えば緑なら、「どのくらい緑っぽい緑を対象とするか」 を細かく指定する必要がある。だから、照明にムラがあって、全体的には緑なんだけど、色々な緑が混じり過ぎているものはうまく色が抜けなくなる。同じ理屈で、緑から色が離れすぎているものも、キーイングの精度を下げる原因になる。だから、照明が強く当たりすぎると、そこが白くなってしまってダメなのだ。
下図は実際にこのサイトで公開している動画のひとコマで、このくらいフラットに緑が出ていれば、KeyLight でかなりいい線まで色が抜ける。白い矢印の先のあたりは天井の照明に近すぎてシートがが白くなってしまっている （＝白く飛ぶ、と表現する）。だから、本当は天井の照明を少し弱くしなければならないんだけど、そうすると全体の明るさが落ちてしまう。対策としては、もう少しシートを後ろに下げればいいんだけど、そうすると今度は体がシートからはみ出てしまうし （遠近法の理屈で）、そもそもスペースの制限があるから無理なのだ。
ちなみに、マイクのスタンドを覆っているのは、シートを切って巻きつけただけの子供だましの工作みたいなもの。意外だけど、白く飛ぶよりは、こういう風に影が落ちて暗くなっているほうが問題が少ないことが多い。
こんな風に、照明の数や強さ、設置スペース等と相談しながら、一番的確に色が抜ける環境を作っていく必要があり、ソフトの性能に制限がある環境下のクロマキー合成においては、照明とシートの設置はとても重要 なのだ。もちろん、トライ＆エラーを繰り返す根気も必要。
さて、こうやって映像素材が撮影できたら、まず編集ソフト（僕の場合は Premiere） でDVテープの映像をキャプチャする （＝データ化する）。
最近はテープメディアを使う機会がどんどん減っているけど、メディアの保存性や安心感から、僕はやっぱりテープが好きで使っている。
デジタルビデオカメラからの映像の取り込みにはDVケーブルを使うのが一般的だけど、注意したいのは、ときどきカメラとパソコンのデバイスの相性で、うまくキャプチャができないことがある ということ。普通、DVケーブルをデスクトップパソコンにつなぐときに使用されるのはPCIボードだけど、この 「キャプチャボード」 などと呼ばれるPCIボード、実は数千円の安価なものからプロ使用の数十万円も （！） するものまで、ピンキリなのだ。「そんなもん、つなげればなんでもええやろ」 とタカをくくっていると、ときどきビデオカメラとの相性がNGの場合がある。なので、買うときに動作確認リスト等をよ－く調べておくことをオススメします。
でも、その動作確認リストも性質上、かなりあやふやなことが多い。しかも、高いボードを買えばどのカメラとも相性がいいかというと、そうでもなくて、むしろ高価なボードほど相手を選ぶ（！）という話も聞いたことがある・・・というわけで、DVキャプチャについては迂闊なことを書けないデリケートな内容が多いので、この辺で切り上げさせて下さい。すいません。
とは言っても、編集することなんて何もない。2つのカメラの映像のタイムラインをぴったり揃えて、別で録音＋ミキシングしておいた歌とピアノを音声トラックに貼り付けて、それが映像とちゃんと同期するように微調整するだけ。編集といえば 「カット編集」 だけど、演奏動画にはカットはない。
ま、当たり前といえば当たり前。カット編集してたら一発撮りの意味がないので。ただし、解説動画はしっかりカット編集しています。でも技術的に特筆することは何もないので、割愛させていただきます。
カットがない代わりに、このページの上のほうでちょこっと触れたけど、（広い意味での） 合成がある。
まずは上カメの映像。撮影した映像はさかさまを向いているので、180度回転させる。次に、実際に必要なのは、鍵盤と、手首の少し上くらいまでの部分なので、そこを切り出す。鍵盤部分だけをぴったり切り抜くと、突然手が出てきたり引っ込んだりして鍵盤の上の手の動きがうまく伝わらないので、手元が少し映るようにしている。これはどんな編集ソフトでも簡単にできる超初歩的な合成で、難しい言葉で言うと 「4点ガベージマット」 。これは 「映像を4つの頂点で囲まれた形に切り抜く」 機能で、頂点の数が4つなだけで、別にきれいな四角形でなくてもいい。
頂点を決めるときに、左右の弾かない鍵盤部分を少しカットしておく。カットして小さくなった分はあとで拡大して調整するので大丈夫。もちろん 撮影のときにうまくズームして必要な鍵盤だけがフレームに収まるように調整しておくのがベスト。最後にこれを画面の一番下に配置して、上カメの合成は終了。
次に横カメ。これは少々手が込んでる。
まずはじめに、クロマキー合成の全工程を紹介。先に結果を見るのが一番わかりやすいと思うので。
①は合成前の元映像。これにKeyLight を適用し、[Screen Colour] で白い矢印のあたりの色をピッキング。すると②ができる。これは 「どの色を中心にするか」 を決めるパラメータで、いいところを突けば、これだけでかなり色が抜けるのがわかる。全体の緑のうち、中間くらいの明るさの部分をピックするのがコツ。
この例では背景を真っ黒にしているので、緑色が抜けた部分が黒くなっているけど、背景にはフォレストガンプでもケネディ大統領でも森光子でも何でも置くことができる。すると、その背景の前で僕がピアノを弾いている映像ができあがるわけだ。
色々と面白いことを思いついて作業が進まなくなる気がするので例は挙げないことにします。
次に、③のように、[Screen Gain] の値を増減し、一番自然に色が抜けるポイントを探す。これは 「Screen Colour] で選んだ色からどのくらい離れた範囲の色を対象とするか を選ぶパラメータ。この例では 118 だけど、これが 100 以上で数字が小さいほどいい撮影ができている （キーになる色が均一に近い） ということになる。これが 150 を超えたりすると、撮影が失敗している （＝色むらが多すぎる） 可能性が高い。
次に、この環境ではグリーンスクリーンでカバーできる範囲には限界があるので、残りの余計な背景は パスでマスクを作ってカット する。④の黒いところはパスで囲った外のエリア。妙な形をしているけど、手や顔や帽子が動く範囲をちゃんと外している。で、この④と同じマスクを③で作れば⑤ができる、というカラクリ。
④にKeyLightを適用するのと同じことです。
最後に色の補正を加えて完成（⑥）なんだけど、実はこの最後の 「色補正」 はかなり経験が必要で、しかも出来栄えを大きく左右する工程だったりする。それから、実は完成段階では、工程③に、さっき触れなかったKeyLightの設定に微調整を加えているので、色補正の各パラメータとあわせて下図にて紹介する。ちなみに、エフェクトの順番は上から順に適用されるので、最初にKeyLightがきて、そのあとに色補正がくるように注意すること。赤い矢印が初期値から変更したパラメータ。
キーイングのパラメータの設定はソフトによってまちまちだと思うけど、KeyLight にはとにかくパラメータが多い。中でも、矢印で示した3つは重要 （らしい）。実際、これを微調整することで結果が大きく変わってくる。ただし、どういう設定がいいかは素材によって変わってくるので、これはあくまでも一例。
KeyLight については、とりあえずこれで微調整ができる、ということだけ抑えておいていただいて、詳細はマニュアルや書籍、その他の親切なWEBサイトを参考にして下さい。
参考図書1 『Adobe After Effects CS3マスターブック』
参考図書2 『Adobe After Effects 7.0スーパーテクニック』
KeyLight にはもちろんマニュアルがついてるけど英語のみ。KeyLight を使いこなすまでにはかなり勉強が必要みたいだけど、とりあえず触ってみれば大体効果がわかるようにはなっているので、皆さんがんばりましょう。
色補正についてもこれが一例であることは同様だが、色補正で僕が一番使うのがこの 「カラーバランス」 と 「レベル」。これはそれぞれ 「色味」 と 「明るさ」 を直すフィルタなんだけど、この2つで基本的な補正はほとんどOKだと思う。
実際、この2つ以外の補正フィルタを僕はほとんど使ったことがないです、参考までに。
こうやってクロマキー合成の映像素材ができたら、そのプロジェクトファイル（.aep） を Premiere に取り込んで、さきほどの上カメの鍵盤映像の右上に半分ほどに縮小して配置。頭が画面上で切れない程度にぎりぎりまで大きく使う。そして、2つの映像の間に、仕切りとなる細長いグレーの帯をタイトルで作成して完了。
ただし、この 「Premiere に After Effects のプロジェクトを直接読み込む」 っていう便利な機能は、Creative Suite （複数のソフトがセットになったお得なクリエイター向けソフト群） についてくる Adobe Dynamic Link がないとできないので要注意。
あと、実際には、エレピの左の部分がマスクで不自然に切れているので、ここにエレピの枠組みの画像（フェイクですが）をつけて誤魔化しています。
さっき、「音声トラックが映像と同期するように」 とさらっと流したけど、この段階で音声トラックも最終チェック。これまでの作業を普通にやると、この段階で Premiere の音声トラックは、上カメにと横カメに録音された音声 （これを 同録 [同時録音の略] と呼ぶ）、それにミックスダウンされた音声の3つになる。そのミックスダウンされたトラックのことを 「2mix ＝ ツーミックス」 と呼ぶんだけど、これが最終的には映像と一緒に流れる音声になるから、同録の2トラックは実はもう必要ない。でも、この段階ではまだ上カメと横カメの映像は同期していないので、まずは同録の2つを、それぞれの波形を見ながらぴったり揃えて、最後に2mixをそれらに合うように配置。これでようやく同録の2トラックはお役御免となる。
最後に Premiere で完成ムービーを書き出すわけだけど、ここから先はWEBと絡んでくる話なので、先にこの完成映像がWEB上でどう扱われるかについて先に少し触れておく。
WEBで動画といえば、昔から Windows MediaPlayer や Real Player や Quick Time が中心だったけど、ここのところ注目を浴びているのが Flash Video だ（2007年10月現在）。YouTube が動画配信のフォーマットとしてFlash Video を採用したのが大きな潮流となるきっかけだったのは誰もが認めるところだけど、この Flash Video のすごさは何といってもその普及率。普及率99%を誇るフラッシュプレイヤーがそのまま動画の再生に使えるのだから、要するにほとんどのユーザーが面倒なプレイヤーのインストールなどを特に意識せずにすぐに動画が見れるということになる。しかも、高品質な圧縮や高度なストリーミングを武器に、「キレイな動画をすぐ見れる！」をWEB上で可能にしてしまった。
何かのキャッチコピーみたいですが。
そんな時代の寵児 Flash Video を、この「ピアノ難民を救え！」 でも採用しているんだけど、これを利用するためには、映像の最終出力を 「Flash Video形式 （.flv） 」 で行わなければならない。しかも、その動画の再生には当然Flash の知識が必要になってくる。
と、いうわけで、ここから先はWEBの領域に入っていく・・・というわけなんだけど、もう少し補足しておくと、演奏動画のページで見ている映像のうち、さっきの図のように、Premiere で作るのは下の鍵盤と右半分の部分だけで、残りのテキストや何やらは、実は Flash による描画。こうやって、いまや Flash も 「どこが動画か」 っていうのがぱっと見てもわからない時代になってきている。
次はWEB・・・じゃなくて、先に 技術解説 【音】 編 その1 - 録音・音響機材 -
この勢いで 【WEB】 を知りたい！という人は下のリンクをご利用下さい。
音の話は内容が濃いので3ページにまたがります。ここでは 音の知識に関するイントロダクション と 機材紹介 をして、このあとのページで レコーディング と ミキシング の解説をします。
【 音 】 その1 - 録音・音響機材 -
音は映像より大変 / すべては映像の「音トラック」のため / 必要な機材 / 機材のおおまかな接続図 / 電子鍵盤楽器について / MIDIとは？ / エレピはカシオですが？ / エレピのアウトプットは2種類 / マイク / ミキサー / かけ録りとは？ / 音量？ レベル？ / コンプレッサー / コンプとミキサーの接続 / ヘッドフォンとスピーカーについて / ヘッドフォン / モニター・スピーカー / [ひと休憩] 昔話と、身の上話を少し / オーディオ／MIDIインターフェイス / 音楽ソフト（シーケンスソフト） / 音楽ソフト（プラグイン）
まずはじめに、音の技術解説は、映像やWEBに比べて、ずっと難解で込み入った話が頻出することを断っておかなければならない。映像やWEBについては、本やWEBで調べればある程度わかった気になるし、実際、僕がやっているように、ある程度のことはやれる。しかしながら、ここで紹介する音の技術について十分に理解をして実践するには、ある程度の経験が必要だ。なぜなら、音にまつわる経験ができるのは、耳しかないからだ。いくら本を読んでもWEBで調べても、耳で実体験として音の世界に触れない限り、音のことはわからない。人間が知覚するすべての情報のうち9割は目によるものだ、という話があるけど、音は、その人間が知覚のほとんどを頼っている視覚による認知ができないから、音は映像に比べて技術の習得に時間がかかるものだ と僕は思っている。
映像をやっていらっしゃる方が眉をしかめそうな書き方ですが、大きく的を外した表現ではないと思ってます。もちろん僕が音をひいき目に見ている、っていうのもありますが。
【映像】 編 の最後のほう で 「2mix （ツーミックス）」 っていう言葉が出てきたけど、この 【音】 編 で解説するのはズバリその 2mix の作り方。手短に説明するなら、いまから解説するのは、 「ピアノと歌の音色や音量を調整しながら混ぜて（＝ミキシング）、映像編集の音トラックに使うためのひとつの音声ファイル [2mix] を作る作業だ」 ということになる。
その作業 （＝ミックス・ダウン） が完了するまでには、「レコーディング」 と 「ミキシング」 という大きな2つの工程がある。でも両者の境目がとても曖昧なので、ここでは作業を時間軸に沿って順に追って解説していくことにする。
もちろんだけど、ここでは演奏の技術については一切触れません。あくまでもエンジニア的な立場から「どうやっていい音を作るか」ということについてだけ解説します。
演奏 （ピアノの弾き方、歌い方） についての解説はこちら。 [ 弾き語るには？ ]
レコーディング と ミキシング の話の前に、まず使用している機材について解説しておく。
詳しい方は読み飛ばしてください。
昔 （学生の頃） はもっと機材持ちで、とりあえず数があればそれで満足してた。全然使わないような機材も、持っているだけで嬉しかった。でも、歳とともに嗜好は変わるもので、最近は 「いかに少ない機材で、しかもお金をかけずにいいものを作るか」 ということをひたすら追求しています。だから、機材は最小限のものしか持っていません。
上にリストアップしたものについてはこのあと順番に解説するとして、この写真に写っているもので、映像編で解説をしてなくて、しかも音にも関係ないものがひとつある。それは 「椅子」。
ピアノと言えば長方形のツルツルした椅子だけど、僕はこのドラム用の丸椅子が好きで使っている。場所をあまり取らないっていうのもあるけど、何と言っても見た目。「ピアノ難民を救え！」でこの椅子が映ることは稀だと思うけど、映像的にどうこうではなく、やっぱり弾いていて気分が違う。クラシックの長椅子に座っているとどうもショパンとかバッハな気分になってしまう （？）んだけど、この丸椅子だと Ben Folds な気分になれてテンションが上がる。実際、ライブのステージでこの丸椅子を使うミュージシャンは多い。Ben Folds も アンジェラ・アキ も スキマスイッチの常田さんもそう。ガツっとピアノを弾く人はみんな （？） 丸椅子フリークだ。
ちなみに、メーカーはTAMAで、5000円くらいで買える。
ちなみに、正式にはドラム用椅子ではなく 「ドラム・スローン」 っていうらしいです。
ちなみに、スローンは英語で 「throne」 で、「王座、玉座」 っていう意味。要するに、ドラムはバンドのKINGである、と。少し遠慮気味に解釈しても、バンドを引っ張ってるのはオレ様だぞ、ということみたいです。
「ちなみに、」を連発してるとスペースシャワーTVの「音知連」が思い浮かぶのが何となく悲しい。
さて、おちゃらけた内容はここまでにして、ここから 【音】 編 の本番に突入する。まずは全体像を把握してもらうため、今から紹介する機材がどういう風に繋がっているかを図示する。音響機材についてまったく知識のない人にはさっぱり 「？」 だと思うけど、この図はあとで録音とミキシングの話をするときにも登場するので、このページを最後まで読んだあとでもう一度見れば、「ほー、なるほど」 と納得がいく・・・はずです。
細かいことはおいておくとして、ここでは、青い線が 「音 （オーディオ） 」 の通るライン、オレンジがパソコンでお馴染みのUSB、紫がMIDIのライン・・・と、大まかに3系統のケーブルが入り混じってるってことと、機材の中心にいるのが 「ミキサー」 で、パソコンとその他の機材を接続する部分に 「オーディオ/MIDIインターフェイス」 っていうややこしい名前の機材がいるっていうことを何となく覚えておいていただければOKです。
ただし、一部結線を省略しているところがあります。
ではさっそく各機材を順番に見ていくことにする。
動画を見てのとおり、「ピアノ難民を救え！」 で僕が使う楽器はピアノだけ。正確には電子ピアノなんだけど、響きが格好悪いから エレピ （＝エレクトリック・ピアノ） と呼ぶので慣れて欲しい。と、言ったそばからナンだけど、別に使う楽器はエレピでなくてもいい。ここで必要なのはMIDIデータを出力できる電子鍵盤楽器だ。MIDIについてはこのあとすぐに解説するから、ここは 「＝シンセサイザー」 だと思っていただいて構わない。
以後、シンセサイザーは 「シンセ」 と略します。 ※【音】 編 は略語が頻出することをここで断っておきます。
じゃあ生ピアノはダメなんですか？ って思う人もいるだろうけど、残念ながら、ここでは生ピアノの録音については触れない。もちろん生ピアノでも同じものは作れるけど、録音作業が大きく違ってくるので、どこかでまた機会があれば・・・ということでご勘弁を。
ちなみに、生ピアノ＝アコースティック・ピアノで、「アコピ」 と略します。
MIDIが何の略かなんてことはこの際どうでもいいので割愛して、MIDIなんて聞いたことも見たこともないっていう人を対象に、ちょっと違った切り口でMIDIについて解説。
・・・と、子供向けの絵本みたいになってしまったけど、このアシモ君のような役割をするのがMIDIで、天才プログラマ君が組んだプログラムがMIDIデータと呼ばれるものだ。つまり、MIDIとは どういう風に演奏するか、という演奏データ だということ。この例では、アシモ君にプログラムされた 「別れの曲のMIDIデータ」 でピアノとオルガンを演奏したように （オルガンは失敗だったけど）、同じ演奏データを使って、色々な楽器を鳴らすことができるのがMIDIだ、ということになる。
さて、そのMIDIデータと常にセットで必要になるのが、「楽器音データ」 だ。アシモ君がMIDIデータの例えなら、アシモ君が弾いたピアノとオルガンがこの 「楽器音データ」 の例えだってことになる。アナログ写真に対してデジタル写真があるように、生のピアノ音があれば、それをデジタル化した 「デジタルのピアノの音」 が存在するというわけだ。こういう風に、デジタルミュージックの世界では、デジタルの楽器音データをMIDIデータが鳴らすことで、楽器の演奏をシミュレーションする というのがとても重要な表現手法なのだ。
「楽器音データ」 という表現は一般的ではないけど、わかりやすいので使っています。よそでは「なにそれ」と言われるので要注意。そのデジタル化した楽器音をMIDIで操作できるようにしたものが 「音源ソフト」 と呼ばれるもので、こちらは一般的な呼称です。このページのずっと後で登場します。
ここ数年で （2007年現在）、この 「楽器音データ＋MIDIデータ」 の組み合わせによって、世界中のありとあらゆる楽器をデジタルでかなり忠実に再現できるようになってきた。MIDIデータの主な仕様はMIDIが登場した1980年頃から変わっていないんだけど、楽器音データのクオリティは年々上がってきていて、それはひとえにパソコンの性能が上がったおかげなのだ。MIDIについての難しい話はこれ以上しないけど、ここでMIDIに触れたのは、 「デジタルの世界では、MIDIという便利なものを使って、あとでいくらでも楽器の音を変えられる」 っていうことを大前提として押さえてもらうためだった。
アシモ君をひょいっと持ち上げて、オルガンの前に座らせる要領です。
実際、「ピアノ難民を救え！」 で鳴っているピアノの音は、グランドピアノの音をデジタルで再現したピアノ音源ソフトのもの。だから、写真に写っているカシオの Privia からは間違ってもこんなにいい音は出ないことを先に断っておきます。
まるで「カシオのエレピはしょぼい」と言わんばかりの前振りだったけど、せっかく名前が出たのでここでうちのエレピを紹介しておく。実は、エレピを買うときに僕自身一番驚いたのは、「カシオのエレピ、なかなかやるなっ！」 っていうことだった。正直に言って、これは衝撃だった。
僕はこれまでシンセを何台か持っていたことはあったけど、エレピを買うのは実は初めてだった。で、東京に行ったときに知ってる限りの楽器屋を回ってエレピというエレピを片っ端から弾いたけど、予算範囲内のものでダントツ僕の好みだったのが、この カシオ Privia PX-200 だった。2007年3月頃、同ジャンル （エレピ、もしくはステージ・ピアノ） ではローランドの FP-7 や、ヤマハの CP33 がよく店頭においてあった。実際、僕はどっちも悪くないとは思った。価格も14万円前後でまずまずだったし。でも、ときどき見かけるカシオの Priviaシリーズ をぽろぽろっと弾いた感じがどうも気になった。正直に言うけど、僕はそれまで、カシオをバカにしていた。楽器メーカーとしては、ローランドやヤマハやコルグは一流で、カシオは二流っていう思い込みがあったからだ。でも、一応弾くかな～っていう感じでちょろっと弾いてみて、「ん？」 と思うことが何度かあった。はじめは、「へえー、カシオもまあまあやるなー」 くらいのものだった。でも、何軒も楽器屋を回ってるうちに、本気でカシオのエレピのことが気になりだして、最終的には7万円 （安っ！） で Privia PX-200 を買うことになる。14万円のローランドもヤマハも、見た目がどうもおもちゃっぽいこのカシオのエレピにはなぜかかなわなかった。あえて言えば決め手は鍵盤の重さだったのかなぁとは思うけど、そんなことよりも、何となく惹かれた、というほうが正確だ。だから、誰にでも 「カシオはいいぞ～」 と言うつもりはない。でも、「やっぱエレピのタッチはヤマハでしょー」 って盲目的に信じてる人は、一度目隠しでもして楽器屋のエレピを触ってみることをオススメする。鍵盤のタッチの好みはそれこそ十人十色で、どれが自分にハマるかは弾いてみるまではわからないのだ。
一番いいのは秋葉原のラオックスMUSICVOX （書泉ブックタワーの斜め向かい） です。7Fだったかな？にエレピがわっさーと置いてあるフロアがあります。たぶん日本一エレピがたくさん並んでるフロアだと思います。
電子ピアノ 「カシオ Privia PX-200」 はこちらで購入できます。 [ メーカーWEBサイト ]
ここでひとつ注意しておいて欲しいのが、僕のエレピの判断材料に 「音色の良し悪し」 はまったく入ってないこと。その一番の理由は、さっきも書いたように、あとで別のピアノの音に差し替えることがわかってたから。それから、「エレピの音色なんて、大して違いがない」 という経験があるから。後者には色々と意見があるだろうからここはスルーするけど、エレピを選ぶときに重要なのは、音色ではなくて鍵盤のタッチだ っていうことは断言しておきます。
アウトプット＝出力。つまり、エレピから出るモノが2種類あるってことだ。それはさきほどのMIDIデータと、音。エレピを弾いてMIDIデータを記録し、あとで別のゴージャスなピアノの音に差し替える・・・って言ったばかりだけど、エレピが出す素の音もちゃんと使うのだ。実は、録音しているときに僕がヘッドフォンで聞いているのは、ゴージャスなピアノ音源ソフトの音ではなく、エレピのしょぼい音なのだ。
実際はそんなにしょぼくはないですよ。比較される対象が悪い（良過ぎる）だけです。
実を言うと、エレピの音を差し替えるのはレコーディングが終わった後で、レコーディングの最中にはゴージャスなピアノの音は聴けない。なぜかというと、 「パソコンが音を差し替える処理をするのに、ほんのわずかに時間がかかるから」 だ。その時間は、数十ミリ秒。つまり、僕がエレピを弾いて、その音をすぐにピアノ音源ソフトに変換して欲しくても、ゴージャスな音が出てくるのが数十ミリ秒遅れるわけだ。その差がどのくらいかというと、とても気持ち悪くて弾けないくらいのズレ なのだ。この問題は、これからの技術進歩が解決してくれるはずだけど、現段階では、このクラスの音源ソフトの音データを、演奏のスピードに合うくらいの速さでリアルタイムに呼び出すことはできない。プロの現場ではどうか知らないけど、少なくとも、僕の環境ではまだ無理だ。
Core2Duo 2.4GHz ＋ メモリ2GB なので音楽をやるにはぼちぼち十分なスペックだと思いますが、まだパワー不足みたいです。
そんなわけで、録音しているときには、カシオ PX-200 の音をミキサー経由で出力したものを聴きながら歌っている、というわけなのだ。
次はマイク。
まず、マイクには大きく分けて 「ダイナミック・マイク」 と 「コンデンサー・マイク」 の2種類がある。あんまりいい加減なことは書けないんだけど、大雑把に言えば、ダイナミックは手荒に使っても大丈夫な代わりに、音を拾える範囲がとても狭くて、マイクの前でしゃべらないとダメなのに対し、コンデンサーはとても繊細で、湿気や衝撃に弱くて壊れやすい代わりに、周囲のほんのわずかな音まで拾ってくれる、といった違いがある。構造的な違いまではうまく説明できないんだけど、前者がライブで使われ、後者がスタジオ内でのレコーディングに使われる、という説明で、何となくその用途がわかってもらえるはずだ。屋外のライブはもちろん、ライブハウスでボーカルが持ってるのは99.9%ダイナミック。学校の体育館で先生が使うのもダイナミック。カラオケにあるのもダイナミック。一方、ラジオの収録に使うのはコンデンサー。クラシック・ホールでオーケストラの録音をするために天井からぶら下がっているのはコンデンサー。ミュージシャンがスタジオ内でヘッドフォンをして両目をつぶりながら歌っているのはコンデンサー。・・・というわけだ。
でも、ダイナミック・マイクも壊れるときは壊れます。2007年8月に、我が故郷・香川県まんのう町で開催された四国唯一のロックフェスティバル「モンスター・バッシュ」で、CHARA が歌ってる最中にマイク （たぶんこのあと登場するSM-58） を落として音が出なくなって、コーラス用に立てていたマイクを使って続きを歌った・・・なんてこともあります。マイクは種類を問わず大切に扱いましょう。叩くのもダメ、息を 「フッ」 と吹きかけてマイクチェックするのもダメです。理由は、マイクは小さな音を拾うデリケートな器材だから。
で、「ピアノ難民を救え！」 で使っているのはコンデンサー・マイクなんだけど、うちのレコーディング環境なら、ダイナミックを使っても構わないかもしれない。なぜならノイズが多いから。本来ならコンデンサー・マイクっていうのは、雑音がまったく遮断された環境、もしくは、周囲の細かい音まで拾いたいときに使うべきで、うちみたいに、すぐ近くでPCはウンウンいってるわ、夏は思いっきりクーラーかけるわ、外を走る車の音は聞こえるわ・・・っていう環境では、せっかくのコンデンサー・マイクの威力が半減するから使うべきではないのかもしれない。でも、ダイナミックとコンデンサーの両方を試してみた結果、やっぱりコンデンサーのほうが音がよかったから採用した。
当然と言えば当然です。
ちなみに、コンデンサー・マイクは 「RODE NT3」 で、採用されなかったダイナミックは 「SHURE SM-58 LCE」。価格はNT3が16000円くらいで、SM-58が12000円くらい。プロが使うコンデンサー・マイクはもうちょっと高級だけど、 宅録 （ [たくろく] ＝ 自宅録音 ） ならNT3の性能で十分だと僕は思う。SM-58は「ゴッパチ」という愛称で呼ばれるプロ御用達シリーズで、スガシカオ も 椎名林檎 も Ben Fold Five もみんな（？）このマイクを使ってライブをやったことが必ず１回はある。そう思えば、プロ仕様のマイクにしては結構安いと思うんだけど・・・どうでしょうね。
コンデンサー・マイク 「RODE NT3」 はこちらで購入できます。
ダイナミック・マイク 「SHURE SM-58 LCE」 はこちらで購入できます。 [ メーカーWEBサイト ]
コンデンサー・マイクにはファンタム電源と呼ばれる特殊な電源が必要なんだけど、NT3は電池でそれを供給できるレアな製品で、ミキサーがなくてもあちこちで使えるメリットがある。ただ、ボディの長さが少々長めで、もう少し短ければ上カメに映り込まないのに・・・と、買ってから気がついた。
その名のとおり、「音を混ぜる機械」。放送室にある 「ツマミのたくさん並んだ巨大な卓」 を見たことがあると思うけど、ああいった業務用の大きなものから、弁当箱くらいの小さなものまでミキサーにも色々ある。主な役割は 複数の楽器やマイクの音をひとつにまとめる こと。例えば、ラジカセにマイクをひとつ繋いで、フォーク・ギターを弾きながら歌っているのを録ろうとすると、あんまりギターにマイクを近づけすぎるとギターの音が大きすぎるし、かといってあんまり離すと今度は歌っている声が小さくなってしまう・・・そういうときに、ギター用と歌用にマイクを別々に立てて、それをミキサーでひとつにまとめて、そこで音量のバランスをとりつつ、ミキサーの出力をラジカセに繋いで録音する・・・というような使い方をする。
ラジカセで録音する人なんてもうほとんどいないんだろうなぁ。昔はラジカセひとつであれこれ工夫して録音したもんだけど。
僕が使っているのは BEHRINGER XENYX 802 で、8500円くらいで買えるエントリーモデルだ。とはいえ、コストパフォーマンス命のドイツ楽器メーカー・BEHRINGER （ベリンガー）。安くても結構使えるので僕は大好きで昔からよくべリンガーの製品を使っている。放送室にあるようなものとは違って、前後にスライドするツマミ （＝フェーダー） がないけど、それに代わる 「回すツマミ」 がちゃんとついてる。省スペースのためにスライドするのをあきらめて回すことにした、というわけだ。
ミキサー 「BEHRINGER XENYX 802」 はこちらで購入できます。 [ メーカーWEBサイト ]
あとで登場するけど、コンプレッサーとモニター・スピーカーもべリンガー。ベリンガーを2台以上持ってるやつはヨゴレ的な空気はありますが（笑）、んなことは気にしません。ただし、ベリンガーなら何でも安くて品質がいい、というのも思い込みなので、しっかり下調べしてから買いましょう。
さて、ミキサーの役割はこれでわかったことにして、少々込み入った話を。ミキサーには接続した各機材の音量のバランスをとるだけではなく、それぞれの音質を調整する機能がある。ミキサーによって細かいところは全然違うけど、代表的なものは イコライザー と呼ばれる音質の調整機能（略して EQ [イーキュー] ）で、簡単に言えば、音に含まれる高音成分と低音成分のバランスを調整するための機能だ。高音/低音といっても、その段階が2つしかないものから、5個あるものや、どのくらいの周波数帯（音の高低を示す数値）をターゲットにするかを微調整できるものまで色々ある。
このBEHRINGERのミキサーの場合は、白い四角で囲った3つのツマミがEQで、上から高音域／中音域／低音域 [ハイ／ミドル／ロー] の音量を増減することができる。もちろん接続した機材ごとに（この場合はマイクとエレピ）それぞれ調整できるようになっている。
他のツマミの役割については、あとの話の中で出てくるものはありますが、このミキサーのすべての機能を解説するわけではありません。
ツマミの位置を見ると、マイクのEQのうち低音のツマミが12時の方向から左に振れているのがわかると思うけど、EQの場合は12時の位置がプラスマイナスゼロ＝フラットな状態で、この場合は、「マイク （＝歌） は低音を少しカット気味にする」 ことを意味している。同様に、エレピは 「高音と中音域を増やし、低音をカットしている」 状態だ。実はエレピは少し極端な設定になってるんだけど、これはヘッドフォンを聞きながらピアノを弾いているときの設定で、スピーカーから聞くときにはもう少しフラットな設定に戻している。こういう風に、状況に応じてちょこちょこツマミはいじるので、「エレピってのは低音カットで上はブーストだ～！」 っていう乱暴な話ではないので注意。ただし、一般的な話として、ボーカルの録音をするときには、こういう風にあらかじめ低音をカット （＝ロー・カット） した状態で録音することがよくある。理由についてはあとで触れるとして、ここで大事なのは、「あとの作業でできるとしても、いまできることがあるなら、いまやっておく」こと、つまり 「かけ録り」 が、録音作業においては重要だっていうことだ。
イキナリ 「？」 な単語を登場させてしまったけど、この辺から話はややこしい方向へ進んでいくので、できるだけうまくステップを踏みながら説明していきたい。
この 【技術解説】 は全編にわたって 「内容は難しいけど誰にでもわかる」 をモットーにしているので、基礎知識のある方は、章のタイトルを見て適当に読み飛ばしてください。先はまだまだ長いです。
まずこの話の大前提として、「映像や音の編集作業においては、ある一つの作業を、どのタイミングでもやれる柔軟性がある」 ということを言っておかなければならない。デジタルでもアナログでも同じようなことが言えるんだけど、デジタル環境における柔軟性はアナログの比ではないのでとくに気をつけなければならない。「気をつける」 ということは、それがただ便利だというわけではなくて、その柔軟さが場合によっては弊害になることが多々あるということを意味している。
実は具体的な例が 【映像】 編 で一度出てきてるんだけど、映像のホワイトバランス のところで、「編集のときにある程度は色調整できるとはいえ、やはりホワイトはしっかり取って、フラットな色味になるように撮影するのが基本」 と書いた。これがまさに、「あとでやろうと思えばできるけど、できることは今やっておくべきだ」 といういい例で、これと同じような話が、これから音の話の中にも頻繁に出てくる。
「あとでやろうと思うな！ 今やれ！」 ・・・選挙ポスターかビジネス書のキャッチコピーみたいですが。
さて、さっきの 「ミキサー」 のところで出た 「ボーカルにはロー・カットをかけて録る」 に話を戻すと、例の音域ごとに音量を調整する機能、EQ （念のため、EQはイコライザーの略。もう書きません） をかける作業は、2mixが出来上がる最後の最後まで、何度も登場する非常に重要な編集工程で、このミキサーのツマミを調整してかけるEQは、すべてのEQのうちの一番はじめのステップなのだ。だから、ここでかけられるものは今かけておく。いまやれる範囲でかけておく。それが基本。こうやって、EQをかけた状態でボーカルを録音する （＝フラットな状態で録音しない） ことを 「かけ録り」 と呼んでいる、というわけだ。
かけるのはEQに限らず、すべての効果＝エフェクトについてあてはまりますが、まずここではEQだけを例にとって説明しました。次の章でもうひとつの 「かけ録り」 が登場します。
この話の真意を十分に伝えるのはとても難しくて、いくらここで書いても 「そんなの、あとでやれるなら後回しにしてもいいのでは？」 と思う人が大半だと思うけど、それを否定する理由をここで並べてもまだ十分に伝わらないので、「あとでやれるなら今やるのが基本だ」 と、まずは断定しておいて、話を先に進めることにする。
かけ録りは大事ですが、やりすぎは禁物です。やりすぎたら、あとで直せません。実は、EQはまたあとでかけるのでここは軽くかけておきましょう。 ・・・ほなかけへんかったらええやん！ って感じですが、まあまあここはそういうことで。
さて、コンプレッサーの説明の前に、この辺で（そろそろ）断っていかなければならないことがある。それはさっきから適当に使ってきた 「音量」 という言葉だ。音響技術の話をするときには、通常 「レベル」 という言葉を使う。レベルと音量は厳密には全然意味の違う言葉なので、これを混同することはあまりよろしくない。ということで、以後、「音の強さ」 をあらわすときには 「レベル」 を使います。
唐突にすいません。
ちなみに単位は 「db（デシベル）」 なんだけど、これはとりあえずあまり気にしなくていい。基準が 0db [ゼロデシベル] で、プラスとマイナス両方の値をとるから、音がまったく聞こえない状態がゼロデシベルではない というのをとりあえず押さえておいてください。
高速道路の高架下が95デシベルとか、近所の迷惑バアさんがフライパンを叩いているのが90デシベルとか、ときどき見かける単位ですが、実はさっきのデシベルとこのバアさんデシベルとは、中身がビミョーに違うんです。非常にややこしい話なので、これ以上は触れません。ちなみに、音量とボリュームは同じ意味として使って問題ありません。
たぶんこれが一番聞きなれない単語なんじゃないかと思う。コンプレッサー。以後 「コンプ」 と略します。見たことがない人も多いと思うのでまずは写真を。
これは先ほどのミキサーと同じベリンガーの MDX2600 で、17000円くらいで買える、これまたエントリーモデルながらなかなか高機能で使えるコンプ。これに限らず、宅録をするならコンプは必需品です。
コンプレッサー 「BEHRINGER MDX2600」 はこちらで購入できます。 [ メーカーWEBサイト ]
普通は専用のラックに収めるんだけど、うちでは場所がないのとラックなんて大層なものを使う程じゃなないってことで、スピーカーの横にタテにして置いてある。ラックを買うのをケチってるんです、要するに。
まずこの機械が何をするかというと、一言で言うなら 「音のレベルを揃える」 。コンプレッサーは英語で圧縮するという意味だから、文字通り 「音を圧縮して粒を揃える」 ようなニュアンスで捉えればわかりやすいかもしれない。で、このコンプは、ボーカルにかける （＝かけ録りする） ために使っているんだけど、実はコンプは通常ほとんどすべての楽器に直接的または間接的にかけるもので、市販している音楽CDの中に、コンプが一切かかっていないものは皆無に近い。あるとすれば、「自然に、そのままに、無加工で録りました」 的なコンセプトでやってる音源くらいだと思う。それくらい、このコンプっていうのはさっきのEQと並んで、音の編集作業には欠かせないものだ。では、コンプをかけるっていうのが実際にどういう効果があるかというと、最初に 「レベルを揃える」 と書いたけど、具体的には 「大きい音を抑えて （圧縮して）、小さい音とのレベルの差を小さくする」 効果がある。
これでもまだ予備知識のない人には 「？」 だと思うからもう少し卑近な例を挙げると、テレビを見ていて感じたことのある人が多いと思うのが、「CMになると突然音が大きくなる」 とか 「NHKは音が小さい」 といった現象。これは別に勘違いではなくて実際にそうなのだ。でも、そのわずかな音の違いを、普通の人なら感じることができる。で、何で気になるかっていうと、普通の番組で聞いている 「いつもの音量」 が基準にあって、CMやNHKの音量がそこから外れているからだ。こんな風に、 人間の耳にとって、聞いている音のレベルがある程度揃っていることはとても大事なこと なのだ。以上の話を踏まえた上で、ボーカルを録音するときのことを考えてみると、「1曲を歌う間で、声の大きさは色々と変わるなぁ・・・Aメロはささやくように小さく、んで、サビは大きく・・・あ、ラストはシャウト！するなぁ・・・でも、あんまり声の大きさがバラバラだったら聴いてるほうは聴きにくいだろうな・・・」 なんていう話がピンとくるんじゃないかと思う。この 「（曲中の） 場所によって大きな差のあるレベルをある程度の範囲に絞り込む」 のが、コンプの役割だというわけだ。具体的には、さっきも書いたように、大きな音があまり出過ぎないように抑えることで、全体のレベルを揃えてくれる。
若干適切ではない例を挙げてしまいましたが、お分かりいただいたということで先に進みます。
また、コンプレッサーは、おまけとしてコンプ以外の色々な機能がついた複合機として作られていることが多い。このBEHRINGER MDX2600 も、一応体裁はコンプだけど、ゲート、エキスパンダー、エンハンサー、リミッター、ディエッサー、チューブエミュレータ（！）といった、それぞれでちゃんとひとつの音声機材として成立するような機能が付属している。だから、これとミキサーについてるEQとを合わせれば、録音のための最低限の機能は全部揃っていると言える。
各機能については次の実践編で解説します。それにしてもほんと、安くていい録音機材が買える時代になったと思う。ここで紹介した ミキサー＋コンプ＋マイク＋パソコンがあれば、音質に限って言えば、セミプロレベルの音楽は十分作れます。あとは練習しろってことですね。
深入りはしないけど、接続図に登場した以上、一応説明しておかなければならないのが、コンプとミキサーを接続するときに登場する 「バス」 という言葉。感じとしては、「サブ」のような意味で、メインとは別系統で音を入出力するために使うライン／端子のこと。図がわかりやすいと思うので、冒頭の接続図の一部を使って解説するとこうなる。
ピンクの線は、マイクの音がミキサーに入って、そこから直接モニターに抜けていくライン。この場合は、マイクで拾った音はコンプを通らないので当然コンプレッサーの効果はかからない。一方、青い線は、ミキサーに入ったマイクの音が、バスを通ってコンプに入り、コンプレッサーが効いた音を再びミキサーに戻して、それをモニターに出力する・・・というラインを示している。こういう風に、コンプだけではなく、別の機材 （主にエフェクター） に音をいったん預け、それをあとで戻してもらうときに使うのがバス、というわけ。
ここではわかりやすいように出力先の一例としてモニターを示しています。また、バスには他にも色々と用途がありますが、ここでは触れません。
ミキサーによってはバスがないものもあるし、バスが10系統以上あるものあり、だいたいミキサーのサイズに比例して増えるものだ。バスはあればあるだけ便利だけど、宅録でちまちまやるときにはひとつあれば十分っていうこともあるので、用途に合わせてミキサーは選ぶ必要がある。それから、図ではわかりやすいかなと思って 「バス出力／入力」 と書いたけど、普通は 「バス・センド」 と 「バス・リターン」 と呼び、 日本語でバス送り／戻しなんて言うこともある。バスに一旦音を送っておいて、それをあとで戻してもらう・・・というようなニュアンスで取れば、とても的確な呼称であることがわかる。
実はこのミキサーには、「バス」 ではなく 「FX」 と書いてあるけど同じ意味合いです。FXセンド、FXリターンっていう風に使います。
ちなみに、コンプのように、もとの音に特殊効果を加える機能／器材のことを エフェクター という。ミキサーのところで登場したEQも広義のエフェクター。ギタリストがよくカチカチ踏んでいる、床に転がっている鉄の塊もエフェクター。楽器を問わず、音楽制作には欠かせないものだ。
あとで、パソコン上で動くデジタルのエフェクター（エフェクター・ソフト）も登場します。
自分の弾いているピアノの音や歌っている声を聴くには、このどちらかが必要だ。ここで登場するスピーカーは、音響用語では 「モニタースピーカー」 と呼ばれるもので、モニター と略すことが多い。パソコンのモニターと間違えそうだけど、一応ここでは慣例にならってモニターと呼ぶことにする。
まず、両者をどう使い分けるかという話から始めると、ヘッドフォンは厳密な音のチェックをするとき （周りの雑音を遮断してくれるから） と、レコーディングのときに使う。レコーディング中は歌は歌だけで録るから、ピアノの音がスピーカーから流れているとその音をマイクが拾ってしまってNG。だからヘッドフォンでピアノの音＋自分の声を聴きながら歌っているというわけだ。
僕がヘッドフォンをしているのは変装目的ではありません。
一方、スピーカーを使うのはヘッドフォンを使わないとき・・・なんだけど、どういうときに積極的に使うかというと、一番大事なのはミックスダウンのとき。ミックスダウンの作業では、全体の音のバランスや音質をチェックして、完成品としての2mixを作り上げる。そのときに最終的にGOサインを出すのは、ヘッドフォンではなく、モニターを使っているときなのだ。詳しい話は後で出てくるけど、ここではまず、最終確認はモニターで行うってことを押さえておいて欲しい。
ではヘッドフォンを紹介する。僕が使っているのは audio-technica [オーディオ・テクニカ] の ATH-AD400 で、約6500円。梅田ヨドバシカメラに大量においてあるヘッドフォンの中から （試聴できるものだけでも軽く100種類はあった） 、価格＋性能＋軽さで選んだ。ヘッドフォンやイヤフォンの性能なんて、同じ価格帯のものなら好みで選ぶしかないものだとは思うけど、それでも選び方の基本はある。まず長時間つけても痛くならないこと。店頭で1時間もヘッドフォンをつけているわけにはいかないけど、見分け方は簡単で、 耳 （正確には 外耳） に接触した感触ができるだけ弱いもの を選ぶといい。ヘッドフォンをしていて耳が痛くなるのは、耳が圧迫されるのが一番の理由だから。この ATH-AD400 は、 中がドーム状に空いているエアータイプ（っていうのかな？）で、僕の耳にはほとんど当たらない。それから、ヘッドフォンのパッドが挟む力（バネ？）が弱いほうがいい。パッドを耳に密着させるためにバネがやたら強いやつがあるけど、そういうのは絶対やめたほうがいい。
いくらドームがしっかりしていても、バネが弱くても、2、3時間連続でつけているとやっぱり何となく痛くなってきます。そういうときは外耳だけではなく、鼓膜もかなり疲れているので、いったん休憩しましょう。あと、耳に引っ掛けるタイプのイヤフォンがありますが、あれってすぐ耳が痛くなりません？ あれが平気な人は、たぶんどんなヘッドフォンでも大丈夫だと思います。
もうひとつ大事なのは、低音が出ている ＝ 良いヘッドフォン ってわけではないことをちゃんとわかっておくこと。低音がとにかく好きで低音が出てれば出てるほどいいって人はともかく、ヘッドフォンの良し悪しを決めるひとつの指標に、 「フラットかどうか」 というのがある。フラットっていうのは、偏っていないっていう意味で、要するに低音だけが出すぎているとか、高音がやたらキンキンするとか、そういう癖がないことを指す。ヘッドフォンだけでなく、イヤフォンやスピーカー類すべてに共通して言えるのは、 誇張せず、ありのままを表現してくれるものは良い ということ。これは非常に大事なことだ。
とは言え、好きなものが好き！で通る趣味の世界では、フラットなものは取り柄がなくて物足りないのも事実。ここでは、「いい音を作るために必要なヘッドフォンの性能は何か」っていう話をしています、念のため。
あと、軽いのはやっぱりいい。ヘッドフォンをしていると肩が凝るから、少しでも軽いほうがいい。230gは同クラスの製品の中ではかなり軽いほうなので、ひとつの参考にして下さい。
肩が凝らない人はいくらでも重いのを買ってください。そういや、ドラクエの鉄兜（てつかぶと）って、絶対肩凝ると思うな。
ヘッドフォン 「audio-technica ATH-AD400」 はこちらで購入できます。
ついでにもうひとつ、僕が使ってるイヤフォンを紹介しておく。これは、ミックスダウンのときに音の最終調整をするときのため＋ iPod のイヤフォンがイマイチだったのでその代わりにするために買った、 SENNHEISER [ゼンハイザー] MX55VC 。価格は3500円で、iPod についてくる Apple製のイヤフォンとほぼ同じ値段。でも性能はケタ違い。これで音楽を聴き比べたら一発でその違いがわかる。さっき 「フラットな音を出すヘッドフォンがいい」 って書いたけど、当然イヤフォンにも同じことが言えて、この SENNHEISER MX55VC は合格。しかも高得点。しかも安い。
例によって梅田ヨドバシカメラに自分の iPod を持っていって、店頭のサンプルのイヤフォンをガシガシ繋いで、50個くらいのイヤフォンの中から選び抜いたものなので、これは僕が自信を持ってオススメします。
イヤフォン 「SENNHEISER MX55VC」 はこちらで購入できます。
このページで散々音響機材を紹介してて、「んなの買わないし」 って思ってた人にぜひ試してみて欲しい。ほんと、いつも聴いてた音楽がびっくりするくらい変わります。
次はモニター。僕が使っているのは BEHRINGER TRUTH B2031A 。左右セット （＝「ペア」 といいます） で5万円ちょっと。はっきり言ってめちゃくちゃ安い。性能も、この価格なら誰も文句を言えないだろ！ってくらい、僕はいけてると思う。
またもやベリンガーですが（笑）、同レベルのモニターでペアで10万円以上する機種はたくさんあります。
モニターには アクティブ・タイプ と パッシブ・タイプ があって、これはアクティブ。両者の違いは、電源が必要か必要でないか。アクティブ・タイプには電源ケーブルがついていて、自前で電源をとって、その力で音を増幅させて外に出す。ペアなら当然コンセントを2つ使用することになる。一方、パッシブ・タイプには電源が必要ない代わり、音を増幅してくれる機械 （アンプ） が別途必要。家にコンポを持っている人も多いと思うけど、コンポのスピーカーに電源ケーブルがないのを不思議に思ったことはないですか？ コンポのスピーカーはパッシブ・タイプなので、アンプ （中央に置く電源ボタンのついたユニット） が電気的に増幅させた音を伝達してもらって音を出してる。だから、コンポのスピーカーは電源ユニットがない分、作りが簡単で軽い。あと、電気屋にパソコン用の小さなスピーカーがたくさん売ってるけど、電源がなくても動くタイプと、電源ケーブルがついてる、もしくは電池が必要なタイプの2種類があるのをご存知なら、それがパッシブとアクティブだ。この場合は、音の最大出力 （最大音量） が後者のほうが圧倒的に大きいから、用途によって買い分ける必要がある。
アクティブとパッシブ、どっちがいいかっていう質問にうまく答えるのは難しいんだけど、最近は比較的買いやすい価格帯のアクティブ・スピーカーがたくさん売っているので、「よくわからないならアクティブ」 で間違いないです。。
パッシブにはアンプとの相性問題があって、両方を同じメーカーで揃えるとか何とかとか、ちょっと面倒な話が出てくる。反面、アクティブにはそれがないから楽。アンプとの相性って何？って感じだと思いますが、そこはスルーして下さい。
モニター・スピーカー 「BEHRINGER TRUTH B2031A」 はこちらで購入できます。 [ メーカーWEBサイト ]
2007年現在、プロ/アマ問わず、音楽制作の現場にパソコンは欠かせないものになった。僕の記憶では、2000年頃までは録音機材と言えば MTR [マルチ・トラック・レコーダー] で、その頃にはデジタルものも登場していたけど、とにかくそれはパソコンではなく、特殊な録音機能を持った単体の機械だった。ところが、MacがOS9になり、みんながWindows98を卒業し始めた頃、パソコンベースでの音楽制作のトレンドが一気に加速した。
僕が一番はじめにパソコンで音楽を作ったのは2000年で、発売されたばかりの MacG4 ＋ Digital Performer という組み合わせだった。確かCPUが400MHzで、メモリは512MB。それでも当時は「すげえスペックだ！」と周りがみんな驚いていたくらいだし、そのスペックでも12チャンネルのオーディオ・トラックにプラグインをひとつずつかけてもちゃんと全トラックを再生できていた。MTRにかけていた手間が嘘みたいだ、と、いつもぼやきながら、目の前のオーディオトラックの波形が右から左へスムーズに流れていく様にはじめは見とれたものだった。
ノスタルジックになってきましたが・・・ここは細かい解説はナシですので、わかる方だけ、「ウンウン」ってうなずきながら読み進めてください。
さて時代は変わって、2007年。仕事の関係でWindowsを使うことが多くてすっかりMacから遠ざかっていた僕は、悩みに悩んだ末、Windowsで音楽制作をすることを決め、あれこれ調べた結果、それまで一度も使ったことのなかったCubase をシーケンスソフトに選んだ。
いま僕はこうやって音や音楽について偉そうなことを書いているけど、実は2002年の3月から2007年の3月までの丸5年間、音楽制作には一切関わらなかった。音楽ソフトなんて触らなかったし （そもそも持ってなかった）、ピアノも弾かなかった。ライブなんて行った記憶がほとんどないし、CDを買うのも年に数枚という状態だった。つまり、音楽制作どころか、「音楽」 という世界からこれ以上ないくらいに距離を置いていたのだ。言うまでもないけれど、もちろん、僕はその5年間、筋金入りのピアノ難民だった。
そんな僕が久しぶりに音楽をやることを決意したきっかけについては、このサイトの 「はじめての方へ」 のところにちょっろっと書いたけど、 その前置きにはこういう事情があったわけだ。はじめてこのサイトに来てくれた人にイキナリこんな身の上話を書くのはどうだろうと思って書かなかったんだけど、この長～い技術解説をここまで読んでくれる人にはきっと僕の気持ちが伝わるだろうと思って、こんなところに身の上話を書いてみた。
読んでいただいてありがとうございます。
さて。そういうわけで休憩はこのくらいにして、最後のハードウェア 「オーディオ/MIDIインターフェイス」 と 「音楽ソフト」 について解説をしてから、その後はいよいよ次の [ レコーディングについて ] に突入します。
写真は巨大だけど、実際の大きさはDVDのパッケージを分厚くしたくらいの大きさ。このページの冒頭の写真でも、コンプの右にちょこんと立てかけてある、とても存在感の薄い機材。
これがどんな仕事をするかっていうと、マイクや楽器の音 （＝アナログ） を、パソコンが理解できるデジタルのデータに変換 してくれる。音、つまりオーディオをパソコンに連結 （＝インターフェイス） するってわけで、これがないとパソコンでの編集作業がまったくできなくなってしまう、実は非常に重要な機材なのだ。。
それから、同じようにシンセサイザーやエレピなどのMIDIを扱える楽器から、MIDIデータをパソコンに届ける機能もあるので、両方合わせて 「オーディオ/MIDIインターフェイス」 と呼んでいる。
もちろん片方ずつの機能に特化した機材もあります。それぞれオーディオ・インターフェイス、MIDIインターフェイスと呼ばれています。
オーディオ/MIDIインターフェイス 「EDIROL UA-25」 はこちらで購入できます。 [ メーカーWEBサイト ]
価格は22000円くらいで、見た目の割には少し高い気がするけど、家で簡単な音楽制作をやる分には適度なスペック。いずれにしても、これがないと何も始まらないので、オーディオ/MIDIインターフェイスは絶対に必要な機材。
MIDIを使わないのであれば、ただのオーディオインターフェイスを買ってもOKです。
UA-25の特徴は、96kHz／24bit 対応だってことだ。この数値についてはあとで解説するけど、ここでは、 CDよりも遥かに高い品質のデジタルデータを扱える製品だ、ということを押さえておいて欲しい。それから、パソコンとの接続はUSBなんだけど、電源をUSB経由でパソコンからもらう＝電源が必要ないので、その辺にごろんと転がしておける手軽さもいいところ。
それから、入出力系統が多いから、ミキサーやマイクなど、たいていの機材をつなぐことができるし、レベルを調整できるツマミも多くて便利だし、何とコンデンサー・マイクのためのファンタム電源まで送れて、しかもリミッターまでついてる（！）っていう、ミキサー要らずの万能インターフェイスUA-25。ノートパソコンを持って出先で何かを録音するなんてときにきっと重宝するはず。
ちなみに、オーディオ/MIDIインターフェイスには、上で説明したコンプのようなややこしいパラメータ設定はほとんどないから、ただ単に、正しい場所に、正しいものを接続すればOK。ただし、ドライバをインストールしたり、音楽ソフト上で使用するデバイスに設定したりと、作業の半分はパソコン上で行うものなので、ハードウェアでありながらソフトウェアの知識も必要だという一風変わったポジションにある機材でもある。
僕が使っている音楽ソフト群。本当に最小限です。
シーケンスソフトっていうのは、いわゆる音楽ソフト／作曲ソフトのことで、このソフト上で、録音したり、録音したものを再生させたり、MIDIデータを記録したり、音にエフェクトをかけたりして、音楽を作っていく。パソコンで音楽制作をやるときに必ずひとつ必要になるもので、これがないと何も話が始まらない。「シーケンス」 という言葉も古いのかな？ と思わなくはないけど、僕はこの表現が一番適切だと思うので使っている。
「音楽ソフト」では範囲が広すぎるし （上に挙げたものは全て広義の音楽ソフト）、「作曲ソフト」 では作曲以外の目的では使わないみたいでおかしいし。
シーケンスソフトはいくつもあるんだけど、他にどんなのがあるかとか、どれを使ったらいいか、という話にはここでは触れない。また、この章では使っているソフトを簡単に紹介するに留めて、 技術解説 【音】 編 ミキシングについて で、実際にそれらを使うときに具体的な設定等を解説する。
僕が使っている Cubase は、数あるシーケンスソフトの中でも （たぶん） 世界シェア1、2を争うような超メジャーソフト。昔は、「Macintoshで音楽をやる ＝ Cubase」 っていうくらいMac寄りだったんだけど、数年前からWindows版に力を入れ始めて、AppleがライバルソフトのLogicと仲良くなってしまったせでますますWindows寄り路線に拍車がかかってきた・・・ような状況みたいです。
僕もそれに巻き込まれたうちの一人だってことですね。
ちなみにCubase の画面はこんな感じ。音トラック（歌、ピアノ、ギター、ドラム、ベース・・・）がタテに並んでいて、時間が進むにつれて画面が右に進んでいく。めちゃくちゃややこしそうな画面に見えるけど、「ピアノ難民を救え！」 ではごく限られた機能しか使わないので、画面はもっとシンプル。何せ歌とピアノしかないので。
シーケンスソフト 「Steinberg Cubase」 はこちらで購入できます。
そのシーケンスソフト上で動き、そのソフトがもともと持っていなかった機能を追加したり、補助したりするソフトのことを 「プラグイン・ソフト」 って言うんだけど、これを活用することで、音楽のクオリティが格段に上がる。プラグインは数万円する高価なものから無料のものまで、それこそ星の数ほど数と種類があるんだけど、僕が使っているのは、一度話に出た 「デジタルで再現した楽器の音データを再生する音源ソフト」 と、音質を調整したり、音に特殊効果を与える 「エフェクター」 と呼ばれるプラグインの2種類に大別できる。音源ソフトのほうは一般的にはプラグインとは呼ばずに、シーケンスソフトとは別の音楽ソフトとして認知されてるけど、シーケンスソフトの中で機能するという意味で、僕はプラグインの範疇だと思っているのでそういう扱いをする。
プラグイン＝差し込むという意味。ピンとこない人は、パソコンにフォントを追加する、とか、ウィジェット（ガジェット） を追加するとか、グーグルツールバーを追加するとか、枝切りばさみにアダプターをつけて延長するとか、そういう 「もとの機能を拡張するもの」 的なニュアンスで捉えて下さい。あと、それ単体では何も機能しない、というニュアンスもだいたい正解。
さてその音源ソフトだけど、僕が使っているのは The Grand 2 っていうピアノ専用の音源ソフトで、その品質は世界最高クラスだ。ピアノの88鍵をひとつずつ録音して高品質なデジタルデータにしているんだけど、エレピから出る音なんかと比べるとその差は歴然としてる。それもそのはずで、そのピアノの音データはトータルで1GBを超えていて、単純計算すると、1つの鍵盤の音データが12MB以上あることになる。iPodなんかで通常使われる音声データ （mp3） だと、5分の曲が大体5MBくらいだから、ひとつの鍵盤がポーンって鳴る、たったそれだけのデータが、曲2曲分と同じデータ容量を持っているわけで、The Grand がどのくらいすごいかってのがよくわかる。
いつか、エレピとThe Grand2 の音の比較ってのもやってみようと思っています。
次のページでちゃんと解説するし、前にもちょっと触れたけど、録音をするときには、歌はそのまま生で録音して、それと同時にピアノの演奏はMIDIデータとして記録しておき、あとでピアノの音だけを The Grand に差し替えて、まるでグランドピアノを弾きながら歌ったような状況を作る・・・という方法を取っている。だから、「ピアノ難民を救え！」 の音のクオリティは、この The Grand によって支えられている と言っても過言ではない。
ピアノ音源 「Steinberg The Grand」 はこちらで購入できます。
で、あとは全部エフェクター系のプラグインなんだけど、ここでは AutoTune というプラグインにだけ少し触れておく。これは一言で言えば 「音痴矯正機」。つまり、ボーカルが音を外した部分を機械的に直してくれるのだ。「そんな夢のようなソフトが！？」 ってびっくりする人もいるかもしれないけど、あるんです、これが。「弾き語るには」 のところで 「練習すれば誰でも上手になる」 って書いたけど、それでも 「これ以上はうまく歌えません！」 ってことになったら、しょうがねえな、オートチューンいくか・・・っていう風になる。
え～、別に僕はプロの音楽制作の現場にいるわけではないので、どのくらいの頻度／どういう状況でこの Auto Tune が使われているかってことは知りません。ただ、プロの現場でも使われる品質のものだ、ということは間違いありません。
んで、僕も大して歌がうまいわけではないので、基本的にいつもこの Auto Tune にお世話になっている。でも、「なんやそれ！ あの歌はニセモンかいっ！」 っていう反応は間違っていて、実際にやってみればわかるけど、このソフトは決して 「歌をうまくする」 ソフトではなくて、「音を外した部分を少しましにしてくれる」 ソフト っていう程度の認識のほうが正しい。Auto Tune を使っても直らないものは直らないし、下手なものは下手なので、過度の期待は禁物ってわけだ。The Grand は必須だけど、これは 「あったらいい」 くらいのものだってことを断っておきます。
プラグイン 「antares Auto Tune」 はこちらで購入できます。 [ メーカーWEBサイト ]
このページでは、前のページで紹介した機材を使って実際にレコーディングをする工程を解説。
【 音 】 その2 - レコーディング -
録音？ レコーディング？ / 再び、機材の接続図 / レコーディング4箇条 / マイキング / ボーカル録り / コンプの設定 / おまけ機能： エフェクター / エレピの設定 / リバーブ／コーラス / サンプリング周波数とビット数 / Cubase の準備 / 録音レベルの調整 / いざ、レコーディング / レコーディング後
ここまで 「録音」 という言葉が何度も登場したけど、ここからは特に理由がない限り 「レコーディング」 と表現することにする。なぜなら両者には明確な違いがあって、ここからは 「録音ではないレコーディング」 が頻出するからだ。
どういうことかと言うと、もともとレコーディングの意味は 「記録」 であって、録音ではない。録音は「音を記録する」ことだから、意味の上では録音はレコーディングのうちのひとつ、ということになる。では音の他にレコーディングするのが何かというと、前のページで登場したMIDIデータ。アシモ君に 「別れの曲」 をプログラムする作業も、MIDIデータを記録するという意味に捉えると、それがレコーディングの範疇にあることが納得できるはず。
というわけで、ここからは 「パソコンに記録をする」 という広い意味での 「レコーディング」 を主に使っていきます。
もちろん明確に 「音」 を録るときには 「録音」 と書くこともありますが、汎用性があるので 「レコーディング」 のほうが便利なんです。
さて、前のページ の冒頭で登場した機材の接続図だけど、いま改めて見ると完全に意味が理解できると思う。音やデータの流れをまとめてみるとこうだ。
イキナリですが、この後何度も出てくるレコーディングにおける4つの重要なポイントを書いておきます。
詳細はあとでそれぞれの話が出てきたときに解説します。
それでは各器材をどういう風に使って、どういう風にレコーディングが進むのか、順を追って解説していく。
実践編のトップバッターはマイキング、つまりマイクのセッティングの仕方。
My King ではなくて。
まずはじめに断っておくことがある。それは、このページで解説するすべての事柄について共通して言えるのが、「あくまでも一例」 だってこと。レコーディング環境っていうのは千差万別で、この通りやっておけば完璧だって言えるものなんてほとんどない。プロのエンジニアの方々は、日々変わるレコーディング環境に合わせてその場その場でベストな方法を選んでレコーディングに取り組んでいるわけで、僕がここで触れるのは、広いレコーディングの世界の端の端の、さらにそのほんの隅っこでしかない。それを承知の上で、このサイトで公開している動画の作成過程や、レコーディングっていう未知の世界に興味を持っていただいた方のために、謙虚に解説していこうと思う。
これが [4箇条の1. あくまでも一例] です。それから、このページに書いていることは、これまで解説してきた内容よりもさらにその「限定性」の度合いが高いこともあわせて断っておきます。
マイクについては 前ページ で解説したとおりなんだけど、ここではまず、そこで触れなかった、とあるアイテムを紹介する。
左の写真のマイクはコンデンサー・マイクで、その左にある白い枠のついた丸いもの、これは ポップ・ガード と言って、スタジオで歌を録るときには必ずと言っていいくらい使われるものだ。アーティストのレコーディングやラジオの公開収録のシーンでお馴染みなので、テレビで見たことがある人は多いと思う。そしてその役割はお察しのとおり、マイクにかかる息を弱めること。正確には、ポップ・ノイズ と呼ばれる、歌を歌うときに吐く息がマイクにかかったときに出る 「ボッ」 というノイズを弱めるための小道具だ。
こういう丸い枠にストッキングをかぶせたような形状のものが多いけど、マイクに直接かぶせるスポンジ・タイプのものもあって、僕が使っているのはそのタイプ。理由は、カメラ映りを気にしたのがひとつと、ピアノを弾く邪魔になるから。マイクがあるだけでも邪魔なのに、こんな余計なものが目の前にあったら、鍵盤は隠れるし、腕がぶつかるしで大変だ。かぶせるタイプのほうは、一般的には何となく敬遠されているような（？）気がするけど、宅録 [＝自宅録音] をする分には十分だと思う。
ちなみに、ポップ・ガードという呼称のほかに、ウィンド・スクリーン って呼ばれることもあるみたいだ。ただ、ウィンド・スクリーンっていうと、イコール 「風よけ」 なので、屋外で何かを撮影するときに、正真正銘の風よけ目的でマイクにかぶせてノイズを防ぐほうの小道具を思い出させるし、バイクのフロントについてる風よけ （＝カウル） のこともウィンド・スクリーンっていうから、ここはポップガードで統一したい。
この章以外では登場しない単語ですが。
また、ポップ・ガードには、 ボーカルにマイクからの距離をキープさせる という目的もある。歌を歌っていると、つい熱くなってマイクに近づきすぎるものだけど、それをポップ・ガードが防ぐというわけだ。コンデンサー・マイクはとてもデリケートなので、立ち位置のわずかな違いが録れる音に大きく影響するのだ。
ポップ・ガードは別にダイナミック・マイクに使っても構いませんが、ライブでポップ・ガードを使うと観客が興ざめしますので要注意。
以上、全然マイキングの話にならなかったので、次の章でちゃんとマイキングについて解説。
普通、マイキングっていうと、マイクが2本しかない場合はドラムセットのどことどこにこういう風にマイクをセットするといいですよ・・・とか、アンプから出たギターの音を拾うにはどういうマイクをどんな距離でセッティングすればいいか・・・とか、とにかく内容が幅広くて難しいものだ。でも、ここで僕が取り上げられるのは、宅録レベルでボーカルを録るときには何に注意すればいいか、という内容だけなのでご容赦下さい。
ボーカル撮りのときのマイキングのポイントは、大きく分けると 「位置」 と 「向き」 の2つ だ。
まず、「位置」 にはスタンドの位置とマイク本体の位置が含まれる。スタンドを置く場所は、とにかく歌や楽器演奏の邪魔にならないこと。当たり前だけど、大事なことだ。その他、レコーディングしているとき以外、例えば別の器材を操作したり、部屋の中を移動したりするときに邪魔になる場所にあると、体がぶつかって倒す恐れがあるので、部屋が狭い場合にはその辺のこともよく考えておく。次にマイク本体の位置は、当然口に近いほうが音をしっかり拾えるので有利なんだけど、あまり近すぎると、さっきのポップ・ノイズや クラックル・ノイズ （口が動くときに出る ピチャピチャ系の音） を拾いやすくなるので適度に距離を置く必要がある。また、声は口から真っ直ぐ出ていくので、口の真正面にあったほうがいいのも言うまでもないんだけど、これまた正面過ぎるのはさっきと同じでノイズが乗りやすいから注意が必要。マイクから十分に距離が取れないときや、距離を取ってもノイズが乗るときには、 口の真正面のラインからマイクを少し上下に外すとノイズが減ることがある。
一方、「方向」 については、いま触れた「マイクと口の向き」の意味合いのほかに、 「ノイズ源にはマイクを向けない」 ことに注意する必要がある。これは意外と見落としがちなんだけど、もし使っているマイクが指向性のあるものであれば、マイクの向いている方向にエアコンや窓があると、多少距離が離れていてもノイズを拾ってしまう。エアコンは切っておけばいいとしても、窓はいくら閉め切っていても、カーテンを閉めていても、外を走る車や電車の音はしっかり室内に入ってくる。だから、マイクがちゃんと自分の口に向いていても、その後ろに窓があると、そのノイズを拾ってしまうのだ。もちろんマイクの性能や指向性の強さによるので、窓の位置なんて関係ないっていうケースも多々あるのでそんなに神経質になる必要はない。
指向性のあるマイクっていうのは、特定の方向からの音を拾いやすく、その他の方向からの音は拾いにくい、という特性があるマイクのこと。逆に、指向性がない＝無指向性のマイクは、どの方向からでもだいたい同じように音が拾えることを意味します。
というわけで、ポイントは位置と向き。余計なノイズを拾わないようにして、かつ録りたい音をできるだけ大きなレベルで録る。これがマイキングの基本。
[4箇条の2. ノイズは小さく、音は大きく] です。
マイクで拾った音の行き先はミキサー。で、ミキサーの次に経由するのがバス経由のコンプ。なので、前のページのコンプの項目 のところですっ飛ばした、コンプの各パラメータの設定について解説。
機材の設定っていうのは環境によって千差万別だし、そもそも機材によって設定できるパラメータの数や種類がまちまちなので、実はこういうパラメータ関係については、本当はあまり積極的に解説したくない。だけど、コンプ買ったけどさっぱりわからん！っていう人たちのために、こっちも 「えいや！」 で解説。
だから、参考程度、ということでよろしくです。 ※下の画像をクリックすると、別ウィンドウで拡大画像が開きます。
まず、このBEHRINGER MDX2600 というコンプは2チャンネル仕様なんだけど、うちではボーカルのかけ録りにしか使わないから、いつも右のチャンネルしか使っていない。で、上の写真は、前に紹介した製品写真の右半分を拡大したもの。
もしゲストと一緒に歌うことになって、マイクを2本立てて同時にレコーディングすることになったら、左チャンネルをゲスト用に使うことになります。
たくさんツマミやボタンがあって何やら賑やかだけど、大事な順に説明していくと、まずコンプの肝は 「スレッショルド(THRESHOLD＝閾 [いき] 値)」 と 「レシオ（RATIO＝比率）」 の2つ （図の左の2つの赤矢印） だ。前者はどのくらいの範囲の音にコンプをかけるかを決めるパラメータで、後者はどのくらいの強さでコンプをかけるか （どれくらい強く音を抑え込むか） を決めるパラメータ。
まずはスレッショルドからだけど、閾値って言われてもあまり聞いたことがないと思う。goo辞書によれば 「一般に反応その他の現象を起こさせるために加えなければならない最小のエネルギーの値」 だそうだ。・・・わかりにくいから補足すると、「このくらい大きな音が来たら、それは規定の範囲を超えてますよってことで音量を押さえ込む （＝コンプが効き始める）、その境目になるレベル」 のことをスレッショルドと呼ぶ。つまり、この値が小さければ、そのレベルを超えた音にコンプがかかるわけだから、全体的にコンプがかかることになり、逆に大きければ、それを超える音っていうのは少なくなるわけだから、全体的に見ればあまりコンプがかからない、ということになる。もちろん、かかり過ぎてもかからなさ過ぎても困るわけで、適切な値を探さなければならないのは言うまでもない。
次にレシオ。レシオのツマミには 「2:1」 とか 「8:1」 といった目盛がついている。この数字は、スレッショルドで決めたレベルを超えた音を何分の一に抑えこむかを示していて、例えば2:1なら、オーバーした分を半分に、8:1なら8分の1にすることを意味する。つまり、左の数字が大きいほど、コンプの効果が大きいということになる。
以上、まずは最重要の2つのパラメータについて解説したけど、何度も言うように、「じゃあいくつにしたらいいんですか？」 という質問にスパッと答えられないところが歯がゆい。でも、この画像の例でいくと、スレッショルドは -20db で、レシオは 2:1 になっている。で、これは額面どおり 「レベルが -20dbを超えた分についてはレベルを半分にする」 と、いう意味なんだけど、こう書くと、「そんなのほとんど無くなってしまいませんか？」 という反応を示すのが普通だろう。でも、このデシベルという単位はとても複雑で、一般的な数字の感覚とは別次元の尺で動いてるものなのだ・・・ということでその違和感はスッパリと忘れてもらって、スレッショルド -20db、レシオ2:1 っていうのが 「アリ」 な数字なんだっていうことだけを押さえておいて欲しい。
と、こんなところで次へ行きたいんだけど、さすがにこれではロクな解説になってないような気がするのでもう少し触れておくと、スレッショルドを決めるときには 「最大レベルと最小レベルの真ん中あたりにしておけばいい」 という話がある。つまり、入力レベルが -20dbから+10dbの範囲なら、スレッショルドは -5db あたりでいいんじゃないか、ってことだ。一方、レシオには 「ボーカルなら2:1程度、楽器なら4:1程度」 っていう出所不明の怪しい基準値がある。語り継がれた職人の伝統の技みたいな臭いがしますが （しません？）、まあとにかく、ここはこんな感じで、次へ行きましょう次へ。
コンプのパラメータのうち、次によく触るのがアタックとリリース。これはコンプの効き始めと効き終わりのところで、どのくらい滑らかにコンプの効果が現れる／消えるかを示す数字。これも環境によってまちまちだけど、最近のコンプにはこれをオートでやってくれるものがあるみたいで （MDX2600にもある）、僕は面倒だからオートにしている。[上の写真の一番右の赤い矢印のボタン]
せっかくだからここでも怪しい数字を提示すると、アタックは一番小さい数字を、リリースはとりあえず300msec（単位に注意。0.3秒です） あたりにしておけば大きな問題はない。もちろん、本来はコンプをかける対象の音（歌とか楽器の種類とか）によって微調整するものなので、これはあくまでもひとつの参考値です。
次に、MDX2600についてるおまけ機能を紹介。
まずは エキスパンダー。さっきの写真の一番左のツマミで、これは 「基準値以下のレベルの音を抑えて小さくする」 機能で、ちょうどコンプの逆ってわけだ。これはどういう働きをするかというと、例えば録音するつもりのない小さな音 （例えば遠くで鳴ってる冷蔵庫のブーンという音） を、「キミを録るつもりなんてないから悪いが消えてくれ」 ってな具合に切り落とすようなことをやってくれる。で、その 「どのくらい小さな音を基準にするか」 を決めるのがこのツマミというわけだ。本来なら他にももっとツマミがあってしかるべき （例えばコンプのレシオやアタックやリリースのように） なんだけど、これはあくまもでコンプレッサーについてきたおまけのエキスパンダーなので、設定できるパラメーターが限られているというわけだ。このエキスパンダーをどのくらいにすればいいかっていうのは、MDX2600のマニュアルにも書いてあったと思ったけど、 「GAIN REDUCTION（上の写真の水色の矢印）に赤いＬＥＤがいくつか点灯するくらい」 なので、とてもわかりやすい。この赤いＬＥＤがひとつ以上点いている間は、「小さな余計な音ばかりなのでカットしています」って具合にエキスパンダーが働いていることを示しているというわけ。
それから、チューブエミュレータ [TUBE] は、真空管の温かみをデジタルでシミューレートした効果を加えるもの。エンハンサー [ENHANCER] は、音を歪ませて倍音を作り出すことで、音を強調する効果がある。どちらも歌や楽器の音が際立って、いい感じになります（いい加減すぎ？）。
どちらもまあぼちぼちって感じの効果。でもとりあえずボタンは押してます両方とも。
ディエッサー [DE-ESSER] は、ボーカルの発する 「シュ」 とか 「シィ」 といった、耳につく嫌な高音を和らげる効果があり、MDX2600 ではその効き具合や、音源が男性の声か女性の声かを選ぶボタンがついている。それから、ピーク・リミッター [PEAK LIMITTER] は、入力レベルが規定値を超えたときに、超えた分を問答無用で音をカットするエフェクター。 これがあれば、何かの弾みでオーバー・ゲイン （過度の音の入力） があっても、録音した音は歪まないので安心していられます。
こちらもある程度効かせておきましょう、両方とも。迷ったらツマミは真ん中で。
この辺りで、エレピの設定にも少し触れたいんだけど、実はエレピについてはこれと言って解説するようなことはない。実際に僕がやるのは、電源を入れることとボリュームを調整することだけ。しかも、すでに解説したように、エレピから出る音は、演奏しているときにモニタリングしている （聴いている） だけで、実際にその音が録音されるわけではない。でもエレピには、当然たくさんの機能があるわけで、少しだけそれに触れておく。
「MIDIデータ しか要らねえから、んなもん知ったこっちゃねぇ」・・・っていうのも何となくエレピに悪い気がするし。
まず、最近のエレピのほとんどに搭載されているのがシーケンス機能。つまり、エレピはそれ単体で、MIDIデータの記録ができるのだ。もちろん機能的にはパソコンのシーケンス・ソフトでやれるような細かい作業はできないけど、録音、再生といった基本的な機能だけを使うのであれば何も問題ないし、中にはUSB端子もついてて、パソコンに直接つないでMIDIデータをやりとりすることもできるものもある。だから、ちょっと家で弾いたものを残しておきたい・・・っていうときには、何もパソコンなんかなくてもエレピだけで十分だってわけだ。
それから、これはここに書くほどのことではないけど、エレピには色んな音が出せる（！）。色んな音っていうのは、オルガン、ハープシコード （＝チェンバロ）、ビブラフォン （鉄琴の一種）、フェンダー・ローズ （エレピの代表格） といったピアノ以外の楽器の音を出せる・・・という意味はもちろん、エレピには普通、いくつかの簡単なエフェクターが搭載されている。その代表的なものが、リバーブ と コーラス だ。
リバーブ [reverb] は英語で「残響」、つまり、お風呂で歌ったときのあの響きを得るエフェクター。読んで字のごとく、音が響いて残る感じを出す のがリバーブだ。「それって、エコーのこと？」 と勘違いしている人がたくさんいると思うので、ここはしっかり解説して、ニッポン人の全国民的な誤解を解いておきたい。
実際にはそれほど大きな勘違いではありません。大袈裟ですいません。
エコーというのは、正確には 反響音 のことで、ある音が出て、それから少し遅れて同じ音が1回以上連続して返ってくることだ。だから、エコーっていうのは、「音の響きが残る」 のではなくて、「ある音が遅れて返ってくる」 のだから、リバーブとは明らかに違う。ニッポン人に馴染みのあるエコーの本来の意味に近い音響用語に 「ディレイ」 がある。ディレイ [delay] は英語で 「遅延」。こちらも文字通りってわけで、このディレイとリバーブは、音楽制作現場では明確に区別して使う。エコーという単語もれっきとした音響用語ではあるけど、楽曲の制作において登場するのは、「テープ・エコー」 や 「エコー・マシン」のような、機能や器材の名前としてで、エフェクターの種類としてのエコーっていうのはあまり聞かない。
僕が思うに、エコーが浸透して、リバーブやディレイが認知されないのは、単にその英語の響きの親しみやすさだと思う。あと、カラオケの機械のツマミに 「リバーブ」 じゃなくて 「エコー」 って書いてあるのもそれに拍車をかけていると思う。ま、どっちでもいいといえばどっちでもいいんですが。
もうひとつのエフェクター、コーラス [Chorus] の効果は、なかなか文章で伝えにくいんだけど、ふわ～っと広がる感じ、複数人で演奏しているように聞こえる感じ、賑やか／華やかな感じ、ってところでしょうか。
・・・これ以上書きようがないので、コーラスの説明は以上にさせてください。
というわけで、このリバーブとコーラス、もちろん僕が使っている カシオ PX-200 にも搭載されているんだけど、僕はいつもリバーブを弱くかけていて、コーラスはド派手になるのでオフにしている。もちろん使う楽器音によって向き不向きがあるので、色々と試してみてください。
ちなみに、ここで紹介したリバーブ、ディレイ、コーラスは 空間系エフェクター と呼ばれるグループに属するもので、コンプやリミッターは ダイナミクス系 。その他、ギタリストが手放せない 歪み系 なんかがある。
グループ名やグループの分け方は結構いい加減なものなので、参考程度にしてください。
これでいよいよ、マイクの拾った音と、エレピのMIDIデータが オーディオ/MIDIインターフェイスに到達し、オーディオの方はデジタルデータに変換されてパソコンに取り込まれるっていうところまできた。この章では、アナログの音がデジタルに変換される過程で知っておいたほうがいい サンプリング周波数 と ビット数 について簡単に解説する。
まず、この馴染みのない単語の意味を書く前に、ひとつ例を挙げてみる。
・・・と、いうような話は、日常生活にもごろごろ転がっているだろうから、意味はよくわかると思う。
転がってませんね。
このカレーの味を評価した2つの指標と同じように、音をデジタル化した際に、その音の再現性を評価する指標として用いられるのがサンプリング周波数とビット数だ。それぞれの意味については他のサイト等を参考にしていただくとして、ここでは具体例を挙げて 「ふむふむ、なるほど」 と思っていただこうと思う。
まず、一般的なCDは、各指標が 44.1kHz（キロヘルツ）、16bit（ビット） と規格が決まっている。これは、カレーの例のように 「段階」 で表すと、約1411 段階 [ 44.1×16×2 ] （最後の2はステレオ＝2チャンネル） で、実際の単位はkbps （キロビット／秒） だ。また、iPod 等で使われる圧縮オーディオフォーマット mp3（エムピースリー） では、128段階 （128kbps） あたりが標準 （同じくステレオで）。つまり、ＣＤの曲をPCに取り込んで、 iPod に入れて聴こうとした時点で、音質 （データ容量） は10分の1以下になった、ということが言える。
これは音が10倍悪く聞こえる、という意味ではありません。実際には、データ容量が少なくなっても、音がそれほど悪くなったようには聞こえないように処理が施されています。人間の耳はだまされやすい、ということです。
細かい話はおいておいて、ここで押さえておいて欲しいのは、CDが 44.1kHz／16bit だっていうことで、これらは音をデータ化するときのひとつの参考値となる大事な数字だ。これらの数字のどちらかが倍になれば、音のデータ量も倍、つまり、理論上は音質が倍になった、ということを意味し、どちらかが半分になれば、データ量は半分になる、ということを意味する。
で、早速比較の対象として登場するのは、前ページの最後 に登場したオーディオ・インターフェイス EDIROL UA-25 だ。そのときにちょろっと書いたけど、UA-25 は、96kHz／24bit でのデジタルデータ化が可能なので、ＣＤに比べると、2.17倍×1.5倍 段階で、ざっと 3.25倍 の音質のデータを生み出す／処理することができる、ということになる。そこまでの音質が必要なのか？といった疑問はとりあえずおいておいて、今後、音のデジタルデータを処理していく過程で、ＣＤに比べて遥かに高い音質をキープしたまま作業をしていく・・・ということをわかっていただいて、話を先に進めたい。
実は、ここまでの話では、まだ一度もレコーディングを行っていない。要するに、何も録っていないのだ。やったのはレコーディングの準備だけで、最後に録音ボタンをポンッと押す作業を一度もしていない。
それをするのが、シーケンスソフト Cubase の仕事ってわけだけど、まずはじめに、ここではソフトの使い方の説明は基本的にしないのでご容赦いただきたい。 ここで詳細に解説するのは、各プラグインのパラメーターやミックスダウンの手法など、ある程度 Cubase その他のシーケンスソフトを触ったことのある方を対象とした書き方をします。Cubase の使い方については、有志がＷＥＢ上で色々と紹介しているし、
